Артист

  • Арти́ст (фр. artiste, средневеково-лат. artista — искусник, художник, мастер от лат. ars — искусство) — многозначный термин. В женском роде — «артистка».

    Артист в Средние века — человек, занимающийся одним из семи свободных искусств.

    Артист в широком смысле — деятель искусств, человек, занимающийся творчеством в какой-либо области искусства, художник (живописец, скульптор и т. д.), музыкант (певец), актёр.

    * Артист в максимально широком смысле — мастер, искусник.

    * Артист в узком смысле — актёр.

    * Артист в переносном смысле — притворщик.

    * Артист, Джейкоб (род. 1992) — американский актёр.

    * Артист — русский театральный, музыкальный и художественный журнал (1889—1895 гг.).

    * Артист — телевизионное шоу талантов телеканала «Россия 1».

    * Артист — фильм 2011 года режиссёра Мишеля Хазанавичуса.

    * Артистка — фильм 2007 года режиссёра Станислава Говорухина.

    * Артист балета — танцовщик, исполняющий в балетном спектакле танцы и сцены, созданные балетмейстером.

    * Артист цирка

    * Артист одного хита — языковое клише.

    * Артист — иллюстрированный театральный, музыкальный и художественный журнал (XIX в.)

Источник: Википедия

Связанные понятия

Контемпорари (англ. contemporary dance) — современный сценический танец, включающий в себя самые различные направления и техники.
Мастера танца (итал. maestro di ballo, фр. Maître à danser, maître de danse), также учителя танцев, танцмейстеры (нем. Tanzmeister, Tanzlehrer) — институт профессиональных преподавателей и устроителей танцев в XV—XIX веках, распространившийся по всей Европе (в основном из Италии и Франции). В театре новейшего времени танцмейстер объединил в себе функции хореографа и балетмейстера.
Ма́стер и Маргари́та — мюзикл, поставленный по мотивам знаменитого романа Мастер и Маргарита Михаила Афанасьевича Булгакова. Автор стихов и музыки — Валентин Овсянников. Режиссёр-постановщик — Леонид Полонский (режиссёр второго сезона — Игорь Бунаков), хореограф — Наталья Савченкова-Полонская.
Маэ́стро (итал. maestro — мастер) — неофициальное почётное именование выдающихся деятелей в различных областях искусства (чаще — музыкантов: композиторов, дирижёров, исполнителей), а также мастеров шахматной игры.
Колдовские художники (КОЛХУи) — группа художников насчитывающая около 20 человек. Основной творческий стиль — «Мультреализм» (собственный термин).

Упоминания в литературе

Дурова – внучка знаменитого артиста Владимира Леонидовича Дурова, клоуна-сатирика, учёного. Он создал особый, безболевой, метод дрессуры животных. Это первый артист цирка, получивший в 1927 году звание заслуженный артист республики. Им был создан и подарен детям замечательный волшебный Уголок. Владимир Леонидович – основатель целой династии цирковых артистов Дуровых, автор научных и художественных книг для детей и взрослых.
С Малым театром связаны имена многих выдающихся артистов. На его сцене блистали Павел Степанович Мочалов, Михаил Семёнович Щепкин, Пров Михайлович Садовский, Мария Николаевна Ермолова, Александра Александровна Яблочкина и многие другие мастера.
В истории мирового театра Шаляпин – явление уникальное. К. С. Станиславский не скрывал, что свою систему он писал с Шаляпина. Вне всяких со мнений то, что Шаляпин занимает в оперном искусстве свое особое место. Это артист музыкальной драмы в высоком смысле этого слова. Творчество Шаляпина – одно из самых могучих выражений русского духа. Подобно Максиму Горькому, он вышел из глубинки и дошел до вершин мировой славы! Народность Шаляпина в музыкальном искусстве не может сравниться ни с чем. «Ты в русском искусстве музыки – первый. Как в искусстве слова – Толстой, – писал М. Горький и продолжал: – В русском искусстве, Шаляпин – эпоха, как Пушкин».
Решающее слово в театральном мире принадлежало Малому театру, он создавал и воспитывал таланты, и его артисты были действительно лучшими и истинными сынами искусства – а писатели, к которыми он обращался, действительно истинными художниками слова.
А вот, например, русско-еврейский дуэт – Петр Ярославцев и Натан Эфрос. Поначалу два этих мастера художественного слова работали поодиночке, но в 1930 году встретились в Государственном институте слова и стали выступать дуэтом. Подлинную славу им принесла работа с детской аудиторией, где артисты стали первооткрывателями. Они читали произведения К. Чуковского (начали с «Мухи-Цокотухи», потом читали «Телефон», «Тараканище», «Доктор Айболит»), С. Маршака, С. Михалкова, А. Барто, Н. Кончаловской и др. Короче, в отличие от сегодняшних детей, которым никто ничего с эстрады давно уже не читает (как и не снимает фильмов специально для них), советским детям повезло больше – для них работали настоящие мастера своего дела, истинные виртуозы. Как пишет искусствовед Е. Дубнова:

Связанные понятия (продолжение)

Эстра́да (от фр. estrade, «подмостки, помост») — первоначально, разновидность подмостков для выступлений. Сейчас этот термин также означает вид сценического искусства малых форм преимущественно популярно-развлекательного направления, включающий такие направления, как пение, танец, цирк на сцене, иллюзионизм, разговорный жанр, пародия, клоунада.
Театр «Унисон» — московский театральный коллектив юмористического и философского жанра пантомимы. Основан в 1988 году Иреком Рашидовичем Ибатуллиным, который является действующим руководителем этого ансамбля по сей день. «Унисон» является многократным лауреатом и призёром фестивалей пантомимы, клоунады и юмора в России и Европы.
Пантоми́ма (от др.-греч. παντό-μῑμος — пантомим (актёр, играющий с помощью одних телодвижений) ← др.-греч. παντ(ο), πᾶς — весь, целый + др.-греч. μῖμος — мим, актёр; подражание, воспроизведение) — вид сценического искусства, в котором основным средством создания художественного образа является пластика человеческого тела, без использования слов.
Танцевальный театр («театре тела», танц-театр, физический театр, театр движения, пластический театр) — вид сценического искусства.
Балерина (итал. ballerina — танцовщица, от итал. ballare — танцевать) — артистка балетного театра, исполнительница классических танцев, выученная согласно академическим балетным канонам и использующая в танце пальцевую технику.
Наи́вное иску́сство (франц. art naïf; англ. naïve art) — одно из направлений примитивизма XVIII—XXI вв., включающее как самодеятельное искусство (живопись, графику, декоративное искусство, скульптуру, архитектуру), так и изобразительное творчество художников-самоучек.
Бале́т (фр. ballet, от итал. ballare — танцевать) — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.
«Мастера советского цирка» — популярная книжная серия, выпускавшаяся издательством «Искусство» (Москва) в 1978—1984 годы. Книги были посвящены цирковому искусству как отдельных ведущих артистов советского периода (акробатов, иллюзионистов, клоунов и других), так и целых цирковых династий. Было выпущено 5 книг.
«Икар» (кинопремия) — российская Национальная анимационная премия. Присуждается за достижения в профессии и за вклад в развитие отрасли. Вручается ежегодно в День российской анимации 8 апреля. Инициатор и художественный руководитель премии Сергей Капков.
Музыка́нт (от нем. Musikant, через лат. mūsicus, к греч. μουσική (τέχνη)) — специалист в области музыки или тот, кто занимается игрой на музыкальном инструменте; занимающийся музыкой профессионально или как знаток и любитель. Также, употребляется применительно к профессиям композитора, дирижёра, певца.
Балет является видом сценического искусства, включающего в себя формализованную форму танца.

Подробнее: История балета
Ателье (фр. atelier) — мастерская занимающихся искусством или художественным ремеслом.
«Оско́льская ли́ра» — международный фестиваль поэзии и авторской песни, основанный в 1989 году старооскольскими поэтами Александром Машкарой (автор проекта), Татьяной Олейниковой (с 2007 года бессрочный президент фестиваля), музыкантом и композитором Григорием Левицким. Один из немногих фестивалей авторской песни, где представлен акустический, неформатный рок-н-ролл.
Режиссёр (фр. régisseur — «заведующий», от лат. rego — «управляю») — творческий работник зрелищных видов искусства: театра, кинематографа, телевидения, цирка, эстрады.
Цыганский театр «Дром»(Финляндия) является первым и единственным в скандинавских странах профессиональным цыганским театром.
Исполнительские искусства — один из видов художественно-творческой деятельности, в котором произведения так называемого «первичного» творчества материализуются в виде определенной системы знаков и часто предназначены для перевода в тот или иной конкретный материал. К исполнительным искусствам относят творческую деятельность: актеров и режиссеров, воплощающих на сцене, эстраде, цирковом манеже, радио, кино, телевидении произведения писателей и драматургов; чтецов, переводящую в живую речь литературные...
Ве́рбовка — кустарное общество (артизанский кооператив, артель) декоративного-прикладного искусства, созданное в 1910 году в селе Вербовка Каменского уезда Киевской губернии Российской империи помещицей Натальей Давыдовой.
Произведе́ние иску́сства, худо́жественное произведе́ние — объект, обладающий эстетической ценностью; материальный продукт художественного творчества (искусства), сознательной деятельности человека.
Белгородская забава — международный фестиваль мастеров кукол, организуемый Белгородским театром кукол. Проводится с 1995 года в Белгороде.
«Мастера советского театра и кино» (первоначально выходили две отдельные серии: «Мастера советского театра» и «Мастера советского кино», объединённые затем в одну) — популярная книжная серия, выпускавшаяся издательством «Искусство» в Москве и его отделением в Ленинграде в 1970—1980-е годы. Книги этой серии посвящены известным артистам театра и кино, выдающимся театральным и кинорежиссёрам.
Хореогра́фия, хореографи́ческое иску́сство (от др.-греч. χορεία — хороводная пляска, хоровод + γράφω — записывать, писать) — искусство сочинения и сценической постановки танца, первоначальное значение — искусство записи танца балетмейстером.
«Импровизационный БАТЛ» (improbatl) — это состязание двух и более команд в остроумии, находчивости и непредсказуемости, то есть в жанре импровизации.
Международный день танца (англ. International Dance Day) — праздник, посвященный всем стилям танца, отмечается 29 апреля. Инициирован в 1982 году Международным советом танца (англ. CID, International Dance Council) ЮНЕСКО.
Международный театральный фестиваль современной драматургии имени Александра Вампилова — театральный фестиваль, который проводится один раз в два года в Иркутском академическом драматическом театре им. Н. П. Охлопкова и на других сценических площадках города Иркутска и Иркутской области. Организатор фестиваля — Иркутский академический драматический театр им. Н. П. Охлопкова. Международный театральный фестиваль современной драматургии имени Александра Вампилова — уникальное явление для России. Он...
Павильон Армиды — балет в одном действии, 3-х картинах по сценарию художника Александра Бенуа, он же оформил спектакль. В основу сюжета положена новелла французского писателя Теофиля Готье «Омфала». Музыка написана Николаем Черепниным, он же дирижировал на парижской премьере спектакля. Спектакль был поставлен Михаилом Фокиным в 1907 году в Мариинском театре, в с 1909 года был одним из наиболее значительных спектаклей «Русских сезонов». Занимает одно из центральных мест в реформаторской деятельности...
Клоун (от англ. clown), в современном значении термина — цирковой, эстрадный или театральный артист, использующий приемы гротеска и буффонады. Родственные определения: шут, гаер, паяц, и т. д.
«Наз элямя» (азерб. Naz eləmə) — азербайджанский парный народный танец, написанный Гылманом Салаховым. Название танца переводится с азербайджанского как «Не капризничай», что отражается в хореографии, требующей от исполнителей утончённости, порывистости и особой выразительности.
Времена не выбирают — мюзикл Михаила Швыдкого и Алексея Кортнева — история любви американской джазовой певицы и русского музыканта.
Выставка «Изобразительное искусство Ленинграда», открытая в ноябре 1976 года в Москве в Центральном выставочном зале «Манеж», стала, по мнению В. А. Гусева и В. А. Леняшина, «заметным событием в художественной жизни страны». Впервые зрители получили возможность столь полно проследить более чем полувековой путь, пройденный коллективом ленинградских художников — «одним из крупнейших отрядов советских мастеров изобразительного искусства. Её значение определялось не только историческим аспектом, но и...
Танец модерн — одно из направлений современной зарубежной хореографии, зародившееся в кон. XIX — нач. XX веков в США и Германии. Термин «Танец модерн» появился в США для обозначения сценической хореографии, отвергающей традиционные балетные формы. Войдя в употребление, вытеснил другие термины (свободный танец, дунканизм, танец босоножек, ритмопластический танец, выразительный, экспрессионистский, абсолютный, новый художественный), возникавшие в процессе развития этого направления. Общим для представителей...
«ЕлиКука» — арт-дуэт художников Олега Елисеева (род. 1985) и Евгения Куковерова (род. 1984). Основан в 2007 году в Москве. Арт-дуэт назван по первым слогам фамилий участников группы.
Хореографический ансамбль «Зоренька» (Пенза) — неоднократный лауреат международных и всероссийских конкурсов-фестивалей народного творчества.
Макбет — балет в двух актах Кирилла Молчанова. Либретто Владимира Васильева по мотивам трагедии Уильяма Шекспира «Макбет».
Американские мастера танца модерн находили в фольклоре один из главных источников вдохновения. Народные танцы и музыка были перенесены непосредственно с плантаций в бары (в министрел-шоу), танцевальные залы и мюзик-холлы, где к последней четверти 19 в. развились разнообразные формы профессиональной хореографии. Американский танец модерн стал этапом в становлении американского хореографического театра. Связь с фольклором народов, населяющих США (особенно негритянским и индейским), определила основные...
Теа́тр (греч. θέατρον — основное значение — место для зрелищ, затем — зрелище, от θεάομαι — смотрю, вижу) — зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств — литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других, и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр...
Старые мастера (нем. Alte Meister, англ. Old Master) — принятое в германской и англо-саксонской традициях обозначение выдающихся художников Западной Европы, работавших до начала XVIII столетия.

Упоминания в литературе (продолжение)

Ваганова стала первым в стране профессором хореографии. Ее опыт был признан многими другими педагогами, а ее ученицы постепенно распространили ее методику по всей огромной стране. Выход в свет книги «Основы классического танца» сделал метод Вагановой достоянием всего мира – книга выдержала не менее семи изданий и была переведена практически на все европейские языки, став незаменимым пособием для педагогов. Художественный руководитель английского национального балета Нинетт де Валуа писала об учебнике Вагановой: «Мадам Ваганова написала труд, который должен попасть на книжную полку каждого артиста балета. Как выдающийся педагог и хранитель великой традиции, она создала исчерпывающий и простой учебник большой ценности. Ее взгляды освежающе просты и профессиональны: в книге есть настоящее чувство меры в отношении наболевшего вопроса о технических различиях традиционных школ. Какой урок заключается в ее обдуманном суждении, в ее объективном подходе! Жизнь, посвященная изучению балета, отданная ему, дала ей богатый запас знаний, подлинно проникновенное понимание потребностей ее учеников». Добавим, что Нинетт де Валуа (6 июня 1898 – 8 марта 2001) – артистка балета, хореограф и балетный педагог ирландского происхождения. Между прочим, в труппе этой дамы выросли все балетные кумиры Великобритании: Алисия Маркова, Марго Фонтейн, Роберт Хелманн. Прожившая долгих 103 года и ставшая одной из культовых фигур балетного искусства XX века, Нинетт де Валуа применяла на практике опыт нашей великой Вагановой.
Бравин Николай Михайлович (наст. фам. Васяткин; 1883–1956) – рус. артист оперетты. Нар. арт. РСФСР (1954). Обладал ярким сценическим дарованием, красивым голосом. Среди лучших ролей – Эдвин и Бони («Сильва» Кальмана).
Стелла Адлер происходила из блестящей театральной династии. Ее отец, Яков Адлер, выдающийся актер еврейско-американского театра, родился в России и иммигрировал в Америку в 1887 г. Его Шейлок в «Венецианском купце» поражал воображение настолько, что спектакль давали даже на Бродвее – в 1903 и 1905 гг., и Адлер играл на идише, тогда как остальной текст шел на английском. Когда он умер, проводить его в последний путь собралось 150 000 человек. Мать Стеллы Адлер, Сара, была известной актрисой, заслужившей признание независимо от мужа; брат Лютер, сестра Джулия и племянница Перл тоже были актерами и пользовались популярностью у зрителей. Кузина Стеллы, Франсин Ларримор (1898–1975), блистала на Бродвее, сыграв за свою долгую театральную и кинокарьеру Рокси Харт в «Чикаго», Китти Браун в «Давайте веселиться» и Эбби Фейн в «Кратком миге». У Сары и Якова было пятеро общих детей и по одному от прежних браков. В общем и целом под фамилией Адлер одновременно выступало 16 артистов. Ходила даже присказка, что ни один спектакль в Нью-Йорке не обходится без какого-нибудь Адлера. Актерский талант, казалось, был у них в крови. Они не учились актерскому мастерству, просто выходили на сцену и играли. Сегодня «адлеровскую искру» несет в себе внук Стеллы, Том Оппенгейм, художественный руководитель Студии актерского мастерства Стеллы Адлер в Нью-Йорке (Stella Adler Studio of Acting). (Отец Оппенгейма, Дэвид, блестящий кларнетист, выступал в Нью-Йоркском симфоническом оркестре под управлением Леонарда Бернстайна, а затем был ректором Нью-Йоркской школы искусств Тиша.)
Известный театральный деятель, народный артист РСФСР, режиссер и профессор ГИТИСа Борис Гаврилович Голубовский в своих мемуарах «Большие маленькие театры» вспоминает:
Дело было поздним летом 1951 года. Осенью того же года в Москве должна была проходить Декада узбекского искусства, когда в столицу должны были привезти свои лучшие произведения узбекские артисты разных жанров (в Декаде выступали артисты театров, музыканты, циркачи). Для того чтобы выбрать последних, Старый цирк отрядил известного циркового деятеля – режиссера Арнольда Арнольда. Ему предстояло слетать в Красноярск, где тем летом гастролировали артисты Ташкенбаевы. Причем Арнольда сразу предупредили: дескать, обязательно обрати внимание на комика-канатоходца Акрама Юсупова, поскольку молва о нем идет потрясающая. А Арнольд только отмахнулся: мол, лучшие комики могут быть только в России! Но, как показало ближайшее будущее, мэтр ошибался.
Сегодня в России появилось огромное количество талантливых хореографов, сценографов, поэтов и людей, неравнодушных к жанру, который давно снискал себе любовь всего мира. Мы научились делать красивые декорации, строить театральные площадки, создавать эффектную световую партитуру, играть, танцевать… Мне очень хотелось бы написать «и петь», но я не буду врать – с этим есть проблемы. Русская вокальная школа прекрасна, когда мы говорим об оперных звездах, но вот с мюзиклами все немного сложнее. Эту сложность особо остро я ощущаю, когда прихожу именно к драматическим артистам, в драматический театр – с музыкальным материалом. «Иди к артистам музыкального театра», – могут сказать мне и будут неправы.
На следующий летний сезон в Новом театре на ТРЭК выступала труппа, руководимая артистом и режиссёром Павлом Дьяконовым. В её составе были такие опытные артистки, как Мельгунова, Энгельгард, Тимофеева, Райская, Михайлова-Муравьева и др. и артисты: П. К. Дьяконов (режиссер), М. Н. Белина-Белинович, Кравцев, Добровольский, Вершалов, Кибальчук, Южанский, Семов, Вейнеровский, а также Семин (помощник режиссёра), Машкевцев (суфлер). Имя Дьяконова было широко известно на Южном Урале, в особенности в Оренбурге. Среди ведущих артистов труппы значится имя Михаила Николаевича Белина-Белиновича. Артист сникал популярность в труппах Калуги, Казани, несколько лет был ведущим актером у Ивана Ростовцева в Нижнем Новгороде. Его сценический опыт, позволявший играть как драматические, так и комические роли, поднимал спектакли на высокий уровень. Многие антрепренеры за счастье считали, если могли заполучить Михаила Николаевича в свою антрепризу.
Первым учителем танцев Анны Павловны был бывший танцовщик и артист Александр Облаков, но уже на второй год своего пребывания в школе Анна Павловна перешла в класс известной в свое время балерины Екатерины Вазем, ученицы известного хореографа Гюге. Вазем была танцовщицей строго классической школы. Она проявляла редкую отчетливость в танце, неутомимость, уверенность и твердость носка. Двойные туры, казавшиеся тогда еще необыкновенно смелым новшеством, делались ею без всякого труда.
Кажется, именно эта кропотливая внутренняя работа помогла народной артистке РФ, российской и советской актрисе театра и кино Вере Валентиновне Алентовой и народному артисту РСФСР, кинорежиссеру, сценаристу, продюсеру, советскому и российскому актеру театра и кино Владимиру Валентиновичу Меньшову сохранить «мы» и не потерять индивидуальность, остаться верными своему чувству и выбранной профессии, не разменять талант на мелочи и заслужить симпатию и уважение миллионов зрителей.
Сценический псевдоним – короткое и емкое отражение того посыла, который артист собирается нести в массы своим творчеством. Псевдоним неотделим от артиста на протяжении всей творческой деятельности; его изменение на любом этапе карьеры сродни катастрофе как для артиста, так и для медийного сообщества и публики.
Словно подтверждая формулу «Талантливый человек талантлив во всем», Александр Иванович остался в истории русского театра и как выдающийся администратор. После смерти А.П. Ленского он был управляющим труппой Малого театра, в 1919–1923 – председателем дирекции, в 1923–1926 – директором, с 1926-го – почетным директором театра. В 1922 году ему было присвоено звание заслуженного артиста республики. «Ваше значение для театра не меньше моего, – писала А.И. Сумбатову-Южину Мария Ермолова, – и если от меня остался только кусочек старого изорванного знамени… то вы еще неизменно идете вперед, дальше и дальше…»
• Давыдов Виктор Петрович – заместитель директора театра «Русский балет», заслуженный артист России, его имя занесено в книгу «Персона России»;
В результате двухнедельной работы получался своеобразный спектакль, который восхищал и злил в одно и то же время. С одной стороны – чудесные декорации кисти лучших художников, отличный режиссерский замысел создавали новую эру в театральном искусстве и заставляли прислушиваться к себе лучшие театры Москвы. С другой стороны – на этом превосходном фоне показывались любители, не успевшие не только срепетировать, но даже выучить свои роли. Усиленная закулисная работа суфлера, беспомощные остановки и паузы оробевших артистов, тихие голоса которых не были слышны, какие-то конвульсии вместо жестов, происходившие от застенчивости, полное отсутствие артистической техники делали спектакль несценичным, а самую пьесу, прекрасный замысел режиссера и чудесную внешнюю постановку – ненужными. Правда, иногда та или другая роль заблестит на минутку талантом, так как среди исполнителей бывали и настоящие артисты. Тогда вся сцена оживала на некоторое время, пока артист стоял на ней. Эти спектакли точно были созданы для того, чтоб доказать полную ненужность всей обстановки при отсутствии главного лица в театре – талантливого артиста. Я понял это именно на этих спектаклях и воочию увидел, что значит отсутствие законченности, срепетовки и общего ансамбля в нашем коллективном творчестве. Я убедился, что в хаосе не может быть искусства. Искусство – порядок, стройность. Какое мне дело, сколько времени работали над пьесой: день или целый год. Я ведь не спрашиваю художника, сколько лет он писал картину. Мне важно, чтобы создания единого художника или художественного коллектива сцены были цельны и законченны, гармоничны и стройны, чтоб все участники и творцы спектакля подчинялись одной общей творческой цели.
На рубеже XIX и XX веков восходит звезда исполнителей романсов Николая Северского, Михаила Вавича, Юрия Морфесси… Поклонники боготворили Анастасию Вяльцеву и Варю Панину Настю Полякову и Надежду Плевицкую. Эти артисты наряду с Федором Шаляпиным – одним из символов русского искусства вообще – составляли цвет отечественной эстрады Серебряного века. Они выступали в лучших театрах и залах Дворянского собрания, были частыми гостями в домах высшей знати, пели для царской семьи, а их состояния достигали чисел с шестью нулями. Это было время умопомрачительных – с «цыганами и медведями» – загулов у «Яра»; время настоящих (без «фанеры» и «Фотошопа») голосов и лиц; время роскошных нарядов и нефальшивых бриллиантов…
В неустанной борьбе с устаревшим шаблоном, Вы стремитесь к достижению красоты в сценическом искусстве, правильно руководствуясь истиной изречения: «LEs dEtaèls font l’art»[2], образовав при своей опере практическую, действительную консерваторию, где артисты заучивают парии с их «Mèse En scène”[3], не упуская из виду подробностей. Вы дали возможность артистам заниматься изучением танцев, пластики, фехтования и т. п, словом, трудные требования современной эстетики и искусства нашли в Ваших заботах и внимании полнейший отклик и удовлетворение.
Кто из нас, людей старшего поколения, не знал знаменитого певца, солиста Большого театра Николая Озерова? Это он в 20-х годах восхищал всех нас – артистов и зрителей – своим вдохновенным искусством в партиях Германа, Садко, Фауста, Отелло, Радамеса, Хозе.
Одной из самых сложных, значимых и престижных профессий в классической музыке считается профессия дирижера. Хороший дирижер – фигура яркая и харизматичная. Многие любители симфонической музыки приходят на концерт не только послушать звучание слаженного оркестра, но и полюбоваться на пластику дирижера, которая со стороны порой выглядит не менее интересно, чем пластика балетных танцоров. И некоторые даже наивно полагают, что артист балета мог бы легко освоить технику дирижирования. Но это далеко не так. Между дирижером и балетным есть принципиальная разница, и заключается она в причинно-следственной связи. Артист балета движется под музыку, которая служит для него импульсом к движению. А дирижер наоборот, своим властным жестом заставляет музыку звучать и, таким образом, сам является для нее импульсом.
Владимир Наумович Наумов не только выдающийся кинорежиссер, оригинальный художник, но и блестящий мемуарист. Его воспоминания о жизненном пути, который прошли двое увлеченных кино московских интеллигентных мальчиков, прежде чем стали народными артистами, перемежаются самоигральными мини-новеллами, живописующими время, нравы, людей. Лаконичные зарисовки поражают меткими наблюдениями и емкой образностью, они все время меняют тональность повествования – от грустной до анекдотической, не дают заскучать. Наумов вспоминает учителя Игоря Андреевича Савченко, классиков старшего поколения, своих однокурсников, ставших выдающимися кинематографистами нашей страны, рассказывает об абсурдной и убийственной для искусства начальственной цензуре, делится мыслями о профессии, вспоминает, как создавались картины, признается в любви верным друзьям и благодарит за сотворчество единомышленников – операторов, актеров, художников, композиторов, без которых кино – синтетическое, а потому коллективное искусство – невозможно.
За свою жизнь Цейтлин создал три квартета и один уникальный симфонический оркестр, игравший без дирижера. Пишут: якобы такое беспрецедентное явление в мировом искусстве возникло под «влиянием большевистской идеи коллективного труда». По-моему, все объясняется без политики партии. В ее ряды, разменяв шестой десяток, музыкант вступил в 1941 году, когда разразилась война и членский билет ВКП(б) заслуженному деятелю искусств РСФСР, профессору и заведующему кафедрой Московской консерватории, доктору искусствоведения благ и привилегий дать не мог. По-моему, все дело заключалось в идее жизнерадостного молодого музыканта создать оркестр, который бы существовал как сообщество единомышленников, без дирижера. Например, в квартете четыре музыканта (две скрипки, альт и виолончель) перед выступлением на публике часами репетируют и решают, как и что им играть. Подобным образом поступали артисты оркестра. На концертах, глядя не на дирижера, а друг другу в глаза, они знали без взмаха руки, как им играть.
Большой театр России является главным Театром страны и особо ценным объектом культурного наследия народов Российской Федерации. Решением государственной экспертизы товарных знаков зарегистрированы товарные знаки Большого театра России: «БОЛЬШОЙ» и «BOLSHOI», а также графическое изображение здания театра. Это означает, что Большой театр является полпредом культуры и искусства народов Российской Федерации во всем мире. Очевидно, что право постановки на этой прославленной сцене принадлежит не всем подряд и это право на постановку своих оригинальных произведений нужно заслужить, а заслуженное право – оправдать. Но в последние годы мы живем под знаком разрушения Большого театра России. Планомерно, год за годом, шаг за шагом, в театре проводятся всевозможные мероприятия, целенаправленно уничтожающие великие традиции театра, его артистов по отдельности и всю труппу вместе.
Терминология, которой я пользуюсь в этой книге, не выдумана мною, а взята из практики, от самих учеников и начинающих артистов. Они на самой работе определили свои творческие ощущения в словесных наименованиях. Их терминология ценна тем, что она близка и понятна начинающим.
Пригласили легендарного балетмейстера Касьяна Голейзовского. Лучшей кандидатуры не найти ни на Бродвее, ни в Голливуде. Заслуженный артист Белоруссии, Голейзовский ставил первые программы в мюзик-холлах страны еще на рубеже 30-х.
– Ах, как я хотел стать оперным режиссером, а стал эстрадным артистом! – с удивлением скажет Алик Менакер и начнет создавать новый эстрадный репертуар.
Высшей формой хореографического искусства является балет, средствами которого стала система европейского классического танца. В исторически сформировавшейся программе подготовки артистов балета классический танец является базой, формирующей комплекс из следующих дисциплин сценического танца: дуэтно-классический танец, народно-характерный танец, исторический танец, современный танец и актерское мастерство.
В то же время шло ускоренное развитие сценографии: это искусство было неизвестно странствующим артистам, поэтому профессиональным труппам пришлось самостоятельно вырабатывать его основы.
Это были годы, когда я стал добирать образование: много читал, ходил на концерты, художественные выставки. Короче, началось мое регулярное и плотное приобщение к художественной культуре. В поэзии по-прежнему любил Симонова, чьи стихи читал еще на фронте во время коротких передышек между боями, Твардовского. В театрах – Художественном, Малом – блистали те, о ком нынче легенды ходят. И в нашем Театре Сатиры тоже было к кому присматриваться, прислушиваться. Настоящий клуб был, например, в гримуборной Владимира Яковлевича Хенкина. Там постоянно собирались артисты, устраивали розыгрыши, мастерски рассказывали анекдоты – это были маленькие шедевры актерских перевоплощений! Хенкин был кумиром московской публики, зрители ходили «на Хенкина», сочувствовали его смешным, нелепым, но стойким и неунывающим героям. Я не мог пропустить его спектаклей, почти всегда смотрел из-за кулис, наслаждался. Помню и мастерство Владимира Алексеевича Лепко, его знаменитую «копилку чихов» – там были десятки блистательных вариантов на все возрасты и характеры. Это был большой артист с огромным запасом наблюдений за самыми разными явлениями жизни. Я всегда смотрел из-за кулис спектакли Хенкина, Поля, Лепко – нельзя было оторваться.
В семье Майи атмосфера кино, театра, балета. Некоторые тети и дяди – известные артисты: Азарий Азарин, Суламифь Мессерер, Асаф Мессерер, Елизавета Мессерер. Мать, Рахиль Мессерер, актриса немого кино… Между родственниками говорливое безмолвие.
Самой яркой темой творчества Тулуз-Лотрека стало кабаре Мулен-Руж в 1890-е годы. На его картинах и афишах можно увидеть популярных артистов того времени – Жанну Авриль, Ла Гулю, Валентина Бескостного.
Сцена из спектакля «Семейный портрет с посторонним». Артисты (слева направо, стоят): Ольга Белых, Марина Порядина, заслуженная артистка РФ Зоя Кручина; (в центре, лежит) Николай Елсаков
Как показывает практика, никогда не поздно пробовать себя, испытывать свои способности к творчеству. Что касается резьбы по дереву, то иногда человек открывает в себе желание и умение работать с ним в 30–50 лет и старше и достигает высокого художественного уровня. Я, по специальности артист цирка и эстрады, начал вырезать по дереву в 34 года – во время гастрольных поездок по стране. Серьезное отношение к делу позволило углубить знания в особенностях обработки дерева, разработать свою технологию резьбы. Позже появилось желание научить других тому, что умею делать сам. Окончив заочный народный университет искусств, я в 1978 году организовал самодеятельный творческий коллектив.
БУТАФОРИЯ – это поддельные предметы, которые употребляются в театральных постановках вместо настоящих вещей, а также детали декораций и театральных костюмов. Это слово произошло от итальянского buttafiori – так назывался рабочий, который подавал артистам необходимые по ходу действия предметы.
«Инсценируя “Шарф Коломбины” Мейерхольд создавал по сути дела последовательный и законченный во всех частях манифест условного театра», – считает исследователь[19]. Дилетантов новая сценическая площадка кабаре и театра миниатюр привлекала своей экспериментальностью, отсутствием строгих правил и норм. Немало любителей впоследствии стали авторами талантливых остроумных пьесок (Б. Гейер, Чуж-Чуженин (Н. Фалеев), В. Мазуркевич, B. Раппопорт и др.), композиторами одноактных опереток совершенно новаторских форм (В. Эренберг, В. Пергамент и др.), артистами, танцовщиками (Икар – Н. Барабанов).
В 1930-е правило бал всеохватное, как ныне телевидение, радио, транслируя на страну выступления мастеров художественного чтения, спектакли оперных и драмтеатров, а также сборные концерты – в них выступали артисты самых разных жанров, собиравшие полные залы филармоний и заводских клубов, популярность песенного жанра достигла небывалых размеров. Тем более в годы войны, когда после сводок Информбюро о ситуации на фронтах более всего звучали песни. Не удивительно, что певцы, особенно эстрадные – Изабелла Юрьева, Лидия Русланова, Клавдия Шульженко, Ирма Яунзем, Леонид Утесов, Вадим Козин[19], были фантастически популярны, при всём том, что в этом замечательном по мастерству хит-параде свой взыскательный слушатель был и у «академических» певцов.
Кстати, недавно я был на цирковом фестивале в Сочи. Туда приезжал и знаменитый артист Олег Попов. А ведь мы были с ним знакомы с 1958 года. Тогда главенствовали цирковые династии: семья Кио, семья Запашных (тогда еще не было известных сегодня братьев Запашных), Олег Попов, Юрий Никулин и Михаил Шуйдин. То, что Олега Константиновича не было в России 27 лет, очень печально. И он это ощутил, когда вышел на манеж: народ встал, громогласно приветствуя любимого артиста.
Мы не случайно начали этот большой проект в 2016 году, объявленном президентом Российской Федерации Годом российского кино. Золотой фонд советского и российского кино является одним из ключевых пластов в нашей истории и культуре. Даже в тяжелые для России времена, в военный период или в сложные годы перестройки, великие артисты, режиссеры, сценаристы, писатели и художники – деятели культуры, которыми так богата наша большая страна, продолжали создавать свои произведения, творить на благо нашей страны.
В 1922 году Утёсов познакомился и подружился с М. М. Зощенко, он стал первым исполнять его рассказы со сцены. По сути дела, Михаил Михайлович является идеальным эстрадным автором. У его произведений имеются все компоненты, делающие их привлекательными для публичного исполнения: лаконичность, образный язык, иносказательность, не говоря уже об остроумии. Автор тоже ощущал их самодостаточность. Как-то один эстрадный артист спросил Зощенко:
Но на музыкальной сцене Америки работали и другие силы. В частности, певцы-танцоры (певицы-танцовщицы) с опытом игры в водевилях пользовались огромной популярностью, и популярность эта могла быть поколеблена лишь таким видом шоу, как музыкальная комедия. Музыкальная комедия выдвигала перед артистами совершенно особые требования, в частности умение исполнить с успехом номер, сдобрив его смешным куплетом, который был бы услышан всеми зрителями. (Здесь связь с Гилбертом и Салливаном гораздо теснее, чем с Легаром. И действительно, влияние Гилберта и Салливана можно проследить во многих произведениях Гершвина, Роджерса и Харта.) Эти артисты пытались сделать средством выражения не только песню, но и танец. Для Фреда Астера и подобных ему актеров это раскрывало широкие возможности. Следует подчеркнуть, что такая форма шоу развилась отнюдь не из драматической оперетты. Более того, в определенное время музыкальная комедия полностью обособилась от оперетты, хотя поначалу они счастливо сосуществовали. В 1924 году огромной популярностью у зрителей пользовались “Розмари” Фримла, “Студент-принц” Ромберга, а равно “Будь хорошей леди” Гершвина. В 1925 году публика увидела одновременно “Короля бродяг” Фримла, а также “Нет-нет, Нанетта”, “На цыпочках” Гершвина и “Санни” Керна. В 1926 году появились “Песня пустыни” Ромберга и “О’кей!” Гершвина, “Подружка” Роджерса и Харта. 1927 год ознаменовался успехом “Свалится на землю” Юманса и “Смешного лица” Гершвина, на что оперетта ответила “Новой луной” Ромберга»[25].
Ларису Рубальскую часто называют поэтом-песенником. Некоторые считают, что второе слово в этом сочетании принижает значение первого. В том смысле, что, мол, для песен годятся и весьма посредственные стихи. Репертуар современной российской эстрады, к сожалению, дает основания иронически или снисходительно относиться к качеству положенных на музыку текстов. Так ведь и авторов их правильнее называть не поэтами, а просто текстовиками. А для повышения художественного уровня песен как раз и требуются настоящие поэты. То, что написано ими с учетом специфики песенного жанра, сохраняет самостоятельную литературную ценность и без музыкального сопровождения. Хотя можно быть уверенным, что мысленно многие читатели стихотворений этого сборника будут напевать их, хорошо помня, как звучали они в исполнении Аллы Пугачевой, Валерия Леонтьева, Ирины Аллегровой, Филиппа Киркорова, Иосифа Кобзона, Ларисы Долиной и других звезд эстрады. А случалось, что песни на стихи Рубальской и способствовали звездному взлету артистов. Один из примеров тому – получение Гран-при на фестивале «Юрмала-88» Александром Малининым, выступившим там с песней «Напрасные слова», завораживающую строчку из которой мы вынесли в заголовок этого предисловия.
Мы не случайно начинаем этот большой проект в 2016 году, объявленном президентом Российской Федерации Годом российского кино. Золотой фонд советского и российского кино является одним из ключевых пластов в нашей истории и культуре. Даже в тяжелые для России времена, в военный период или в сложные годы перестройки, великие артисты, режиссеры, сценаристы, писатели и художники – деятели культуры, которыми так богата наша большая страна, продолжали создавать свои произведения, творить на благо нашей страны.
Мы не случайно начинаем этот большой проект в 2016 году, объявленном президентом Российской Федерации Годом российского кино. Золотой фонд советского и российского кино является одним из ключевых пластов в нашей истории и культуре. Даже в тяжелые для России времена, в военный период или в сложные годы перестройки, великие артисты, режиссеры, сценаристы, писатели и художники – деятели культуры, на которых так богата наша большая страна, продолжали создавать свои произведения, творить на благо нашей страны.
Трудно было придумать новые темы, новые приемы, которыми театр должен был заявить о себе. Актеры самые разные, имен нет. Но они появятся очень скоро и станут любимцами Москвы. Это Тенин, Миров, Панова, Данильский (старый артист оперетты), Моллер, певица Кетат (которая из драматического актера Погодина сделала исполнителя песен, записанных на знаменитые пластинки). Так как актеров немного, каждый играет несколько ролей. Конечно, все еще мало знакомы друг с другом. Но работают изо всех сил.
а б в г д е ё ж з и й к л м н о п р с т у ф х ц ч ш щ э ю я