Связанные понятия
Сингл (англ. Single от Single Play record) — изначально грампластинка (шеллачная, затем виниловая), на каждой стороне которой помещалась только одна музыкальная композиция.
Автор-исполнитель — поэт-музыкант, исполняющий песни собственного сочинения. В качестве аккомпанемента обычно используется гитара или фортепиано. Как синоним часто применяется слово «бард».
Поп-му́зыка (англ. pop music от popular music; современная популярная музыка, жарг. попса) — область массовой культуры, охватывающая разл. формы, жанры и стили развлекательной и прикладной музыки 2-й половины XX — начала XXI веков. Вид массовой культуры.
Хит (англ. hit — удар, сильный толчок) — пользующаяся наибольшей популярностью песня. Так же называют и другие произведения (например фильмы, компьютерные игры), пользующиеся большой популярностью, и товары (хиты продаж). В русском языке — фильм, спектакль или номер, пользующийся большим успехом у публики, «проходящий на ура», рекордсмен кассовых сборов, — традиционно именовался «боевик».
Музыкальный альбом — набор музыкальных композиций, выпущенных вместе, в стандартном формате, доступном для проигрывания на популярных воспроизводящих устройствах.
Упоминания в литературе
Известно, что каждое поэтическое и музыкальное произведение профессионального автора записывается и затем печатается, т. е. закрепляется. С народными произведениями такого закрепления не происходит. Так как они передаются из уст в уста, из поколения в поколение, то со временем они меняют свой первоначальный облик. Если сравнить разные варианты одной и той же
песни , можно увидеть, как, например, усложнялся простой напев, как одноголосное изложение перерастало в многоголосие. В наше время процесс записи народных песен значительно упростился: ведь появилось множество звукозаписывающих аппаратов. Теперь можно точнее сделать запись текста и напева русской песни. У тебя, возможно, возникает вопрос: а зачем же ее записывать, если ее основная особенность – передача из уст в уста? В том-то и дело, что памятником национальной культуры своего народа слова и напевы народных песен становятся лишь тогда, когда их запишут. Можно сказать, что русская профессиональная музыка выросла и развилась на почве богатейшей песенной культуры русского народа.
Народные
песни , переведенные в этом сборнике, должны подтверждать сказанное выше, поскольку перевод может передать очарование народного творчества. Как ни накладывает властно национальность свою печать на создания поэта, все же в «искусственной» поэзии всех народов и эпох есть нечто общее, некоторая всемирная художественная культура, что позволяет пересоздавать стихи на другом языке. В народной песне – все, начиная с языка, своеобразно, единственно, неповторимо. Не довольно сохранить содержание, мысли, образы: при всей точности перевода может отлететь что-то невыразимое, составляющее основную прелесть народной песни. Все же можно обратить внимание читателей на такие вещи, как «Ноктюрн», (название, конечно, позднейшее, данное собирателями), очарование которого в той сдержанности, с какой народный певец передает пламенную роскошь южной ночи; – на любовную песню: «О, злая, с черной красотой…», в которой утонченность самого построения, особого рефрена с повторением только что сказанных слов, сделала бы честь любому мастеру стиха наших дней; – на маленькую, записанную на берегу Вана, песенку: «Ах, раствориться и стать водой…», где в семи строках целое море нежности и где поражает именно неожиданный подход к столь, казалось бы, избитому сюжету. Далее нельзя не указать на своеобразие «обрядовой» свадебной песни «Царю что дам я…», где певец оставил себе в каждом четверостишии лишь по одному стиху (остальные – повторения) и, при таком ограничении художественных средств, достигает величайшего разнообразия; – на сходное построение песни: «Вновь прилетели те птицы…»; – на песни колыбельные и похоронные; – на веснянки – «джан-гюлюмы»; и, наконец, на склад, на манеру всех других, представляющих такое разнообразие замыслов и напевов!
Так, давно уже сложилось убеждение, что мелодика в русских былинах, в отличие от мелодики «настоящих»
песен , имеет прежде всего и главным образом мнемоническое значение, то есть призвана обеспечить сохранность текста в памяти его исполнителей и, кроме того, отчетливо «выделить» эпическое слово из обычной повседневной речи. Как писал один из исследователей еще в XIX веке, «эпический материал не так тесно связан с напевами, как лирический», и исполнение былин – это, по сути дела, не пение, а «мерная декламация»[98].
Греческая народная
песня постепенно начинает превращаться в средство выражения личных чувств автора, а носителем и выразителем эмоций становится образ самого поэта. Литературно – музыкальным центром этого направления следует считать остров Лесбос в Эолии. Исходя из местного фольклора, лесбосские исполнители ввели в литературу ряд новых стихотворных размеров, предназначенных для монодического9 (сольного) пения под звуки лиры. Поэты продолжают тематику культовых и обрядовых, любовных и свадебных песен, но разрабатывают их уже в связи со своими личными переживаниями и кругом своих друзей, событиями текущего дня…
Экскурс 3. «Ковыляй потихонечку…»: любовь на войне в зоне «жестокого эксперимента». Появившаяся в 1942 г.
песня «Огонек» (стихи М. Исаковского, музыка неизвестного автора48) очень быстро приобрела колоссальную популярность и стала одной из любимых песен военного времени: она записывалась на грампластинки, исполнялась по радио, включалась в репертуары фронтовых агитбригад и, очевидно, широко бытовала на фронте как в устной, так и в письменной форме. Причины ее популярности связаны и с музыкальными особенностями (интонационно-ритмические характеристики; возможность петь песню под гармонь или баян), и со спецификой созданной Исаковским лирико-поэтической модели. Песня задавала идеальный (но без откровенной идеологии и вне официальных лирических нормативов) образ любви военного времени. Сама сюжетная схема песни (предельно обобщенная) демонстрировала образец построения отношений возлюбленных во время войны. Проводы «на ступеньках крыльца» сменяются образом горящего на девичьем окошке огонька, символически предвосхищающего будущее ожидание. Служба «парня» представлена только «славной фронтовой семьей», чьи идеальные характеристики тавтологически усилены: «Всюду были товарищи, / Всюду были друзья». Ни военная служба, ни товарищи и друзья не затмевают в памяти героя «знакомой улицы», «девушки милой», «моего огонька». Профессиональная советская поэзия (в лице Исаковского) настаивает на неизменности чувств и надежности памяти. Как мы видели выше, фольклорная традиция могла проблематизировать эту ситуацию.
Связанные понятия (продолжение)
Студийный альбом — музыкальный альбом, состоящий из композиций, записанных под контролем звукорежиссёра на студии звукозаписи. Студийный альбом содержит недавно написанный и записанный материал, выделяющийся из компиляций или переизданий альбома, или концертную запись, сделанную во время исполнения на месте. Студийные альбомы, как правило, долго пишутся и обрабатываются, прежде чем будут закончены.
Ка́нтри , или кантри-му́зыка (от англ. country music — кантри мю́зик, букв.: «сельская музыка») — обобщённое название формы музицирования, возникшей среди белого населения сельских районов юга и запада США, и основанной на песенных и танцевальных мелодиях, завезённых в Северную Америку ранними переселенцами из Европы. Опираясь на англо-кельтские народные музыкальные традиции, эта музыка долгое время сохранялась в почти нетронутом виде среди музыкантов-любителей горных районов штатов Теннесси, Кентукки...
Реми́кс (англ. remix) — версия музыкального произведения, записанная позже оригинальной версии, как правило, в более современном варианте аранжировки. Иногда создается путём «перемешивания» нескольких частей исходной композиции, наложения на неё различных звуков, спецэффектов, изменения темпа, тональности и т. п. Частными случаями ремикса являются: ремикширование, мегамикс (компиляция нескольких музыкальных произведений)
Миньо́н (от фр. mignon — малыш), также EP (от англ. Extended Play) — изначально грампластинка, на каждой стороне которой помещались только 2-4 музыкальных композиции общей длительностью звучания 15-20 минут. В англоязычных странах этот формат в 1950-е гг. стали называть «EP» — «Extended Play», чтобы обозначить различие между ними и синглами (SP; одно-, двухпесенными пластинками).
Подробнее: Мини-альбом
Ка́вер-ве́рсия (cover version, от англ. cover — покрывать) — авторская музыкальная композиция (часто известная) в исполнении другого музыканта или коллектива.
Рэп (англ. rap, rapping) — ритмичный речитатив, обычно читающийся под бит. Исполнитель рэпа называется рэ́пером (не путать с репе́ром), или более общим термином «эм-си» (англ. M.C., «Master of Ceremonies», но возможны и другие толкования).
Поп-рок (англ. pop rock) — жанр музыки, объединяющий элементы поп-музыки и рок-музыки.
Музыкальный видеоклип — короткий кино- или видеофрагмент (видеоклип), сопровождающий музыкальную композицию. Как правило, существует в кино- или видеоформате, но бывают и анимационные музыкальные клипы, при производстве которых используется анимация. Клип отображает стилистику музыки, нередко иллюстрирует песню, иногда показывает внешние данные артиста с наиболее выгодных ракурсов. Видеоклип может содержать визуально-сюжетную линию событийной истории песни, сценарий на которую подготавливается режиссёром-«клипмейкером...
Современный ритм-н-блюз , или современный ар-н-би (англ. Contemporary R&B), или просто ар-н-би (англ. R&B, или R'n'B) — музыкальный стиль, истоки которого идут от ритм-н-блюза 1940-х годов, особенно популярный в США.
Дискография (от «диск», обобщённое название музыкальных записей вне зависимости от носителя, и «…графия») — полный список звуковых записей, обычно музыкальных, выпущенных в различном виде в массовый тираж, независимо от носителя, и объединённых в единый список по признаку имени, под которым запись распространялась.
«Радиоротация » (иногда используется «ротация», англ. Airplay) — это термин, используемый в индустрии коммерческого музыкального радио, для того, чтобы узнать как много раз песня была проиграна в эфире радиостанций. Например, если песня была проиграна в эфире много раз несколько дней подряд, значит она получила большое количество ротаций. В США, проигрывание песен в ночных клубах и дискотеках между 1940-ми и 1960-ми годами приравнивалось к ротации, на основе чего составлялись несколько чартов в Billboard...
Сборник (Компиляция, англ. compilation) — в музыкальной индустрии альбом, в который включают музыкальные записи на определённую тему .
Лучшие песни , или The Best of (с англ. — «Лучшее »), The Very Best of (с англ. — «Самое лучшее ») и The Best (с англ. — «Лучшее»), а также Greatest Hits (с англ. — «Величайшие хиты») — распространённое название музыкальных альбомов, которые представляют собой сборники лучшего материала (по коммерческим, художественным или иным критериям), созданного тем или иным артистом. Музыкальные альбомы могут также называться Single Collection, или включать в свои названия такие эпитеты, как Gold (с англ. — «Золотой...
Видеокли́п , видеоро́лик или просто клип (от англ. clip) — непродолжительная по времени художественно составленная последовательность кадров. Видеоклипы наиболее часто применяются для рекламы товаров и услуг и для визуального сопровождения аудиокомпозиций на телевидении.
Балла́да (окс. balada/ballada, от balar танцевать, плясать) — многозначный литературоведческий и музыковедческий термин. Основные значения...
Данс-поп (англ. dance-pop) — стиль электронной танцевальной музыки и поджанр поп-музыки, который эволюционировал из эпохи после диско, около 1981 г., и сочетал танцевальные ритмы со стилями поп, хаус и/или песенной структурой современным ритм-н-блюзом. Появившийся в середине 80-х годов, этот стиль стал отражением попыток композиторов выразить потенциал поп-музыки с помощью новых электронных инструментов.
Промозапись (сокр. промо; также называется промосингл) — аудиозапись, выпускаемая на грампластинках, восьмидорожечных кассетах, компакт-кассетах, компакт-дисках, MP3, VHS, DVD или Blu-ray, и распространяемая бесплатно для продвижения коммерческой записи.
Музыкальный коллектив — коллектив людей, объединённых общей целью или работой, которые так или иначе связаны с музыкой. Обычно музыкальный коллектив состоит из музыкантов, но в него могут входить и другие музыкальные деятели (продюсеры, звукорежиссёры) или люди, непосредственно к созданию музыки не причастные (художники, поэты, техники).
Музыка́льный рели́з (или просто рели́з) — творческая продукция исполнителя, доступная для продаж или распространения. Термин также может быть отнесён непосредственно к публикации или изданию музыкального материала. Музыкальные релизы обладают рядом характеристик по которым осуществляют их классификацию...
Рок-му́зыка (англ. Rock music) — обобщающее название ряда направлений популярной музыки. Слово rock (в переводе с английского «качать», «укачивать», «качаться») в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения, связанные с определённой формой движения, по аналогии с roll, twist, swing, shake… Такие признаки рок-музыки, как использование электромузыкальных инструментов, творческая самодостаточность (для рок-музыкантов характерно исполнение композиций собственного...
Инди-фолк (англ. Indie folk, независимая народная музыка) — музыкальный жанр, созданный в 1990-х годах авторами-исполнителями песен из инди-рок-сообщества, под влиянием фолк-музыки и классического кантри. Инди-фолк сочетает в себе запоминающиеся мелодии инди-рока с акустическим звучанием современного фолка.
Мэшап (иначе «мэш-ап», от сленг. англ. mash-up — «смешивать композиции», букв. досл. «толочь», «взбивать») — неоригинальное музыкальное произведение, состоящее, как правило, из двух (реже нескольких) исходных произведений, записанное в студийных условиях путём наложения любой партии одного исходного произведения на похожую партию другого. С развитием специализированного музыкального программного обеспечения и постоянным усовершенствованием контроллеров для него мэшапы выделились в собственный жанр...
Певе́ц , певи́ца — тот, кто поёт, занимается пением; исполнитель вокальной музыки: песен, романсов, арий, хоров и т. п.; музыкант, исполняющий музыку на музыкальном инструменте, которым является его собственный голос. Певец — наиболее распространённая разновидность вокалиста.
Музыкальный продюсер — лицо, ответственное за надзор и разработку композиций (производство) музыкального исполнителя. В обязанности продюсера входят сбор идей для проекта, выбор песен и музыкантов, наставничество исполнителя и музыкантов по работе в музыкальной студии, контроль за записью и сведением композиций. Помимо этого, продюсеры часто принимают на себя обязанности предпринимателей, такие как ответственность за бюджет, рабочее расписание исполнителя, договоры и переговоры.
Термины «
Сторона „А“» (англ. A-side) и «Сторона „Б“» (англ. B-side) первоначально обозначали соответственно одну из сторон синглов на грампластинке, на которых выходили песни в начале 1950-х годов, но применяются в музыкальной индустрии и по сей день.
Евродэ́нс (англ. Eurodance, от European — «европейский» и dance — «танец», буквально — «Евротанец») — популярное направление европейской электронной танцевальной музыки, появившееся в конце 1980-х годов в результате слияния различных элементов евродиско, итало-диско, техно, хип-хауса и культуры эйсид-хауса.
Автор песен — человек, который пишет слова и музыку к песне. Если человек пишет только слова, то он называется поэтом-песенником, если же только музыку — композитором. В последнее время написание песни могут распределять между несколькими людьми.
Альбо́м (от лат. album — белое) имеет несколько связанных между собой значений...
Танцева́льная му́зыка — музыка, специально написанная для аккомпанемента танцам. Она может представлять собой либо отдельную музыкальную работу, либо является частью музыкальной аранжировки. Исполняемая танцевальная музыка подразделяется на живую танцевальную музыку и на записанную танцевальную музыку. Также подразделяется на музыку медленную и музыку быструю.
Фолк-музыка (от англ. folk music «народная музыка») — жанр популярной музыки, который развился на основе народной музыки в середине XX века в результате феномена фолк-ривайвлов, когда народная музыка начала распространяться среди массовой аудитории. В этой связи его иногда называют «музыкой фолк-ривайвла». Наиболее активно развитие жанра происходило в США и Великобритании. Фолк-музыка также включает в себя различные поджанры, в том числе фолк-рок и электрик-фолк.
Хит-парад или чарт — опубликованный список наиболее популярных в определённый период медиапродуктов (музыка, книги, кино, игры). Как правило, списки хит-парадов состоят не более, чем из 10-20 пунктов, располагающихся по мере убывания показателей. Параметры хит-парада определяются информацией о продажах; также существуют критерии проигрыша музыкальных композиций на радио (в музыкальных хит-парадах), данных по видео- и кинопрокату (в киноиндустрии). Временной период обычно неделя, реже месяц. Буквально...
Микстейп (англ. mixtape или англ. mix tape) — тип звукозаписи, сборник песен, записанных в определённом порядке, представляющий смесь (англ. mix) музыкальных фрагментов, собранных в композицию, обычно на аудиокассету (англ. tape — магнитофонная лента).
Ди-дже́й (англ. DJ от disc jockey — диск-жокей) — человек, осуществляющий публичное воспроизведение записанных на звуковые носители музыкальных произведений с изменением. Отрасли профессии DJ — звукорежиссёр, и т. д.
Подробнее: Диджей
Концертный («живой») альбом (англ. live album) — обычно противопоставляемый студийному альбому — звукозапись, состоящая из аудиоматериала (обычно музыкального), записанного во время выступления исполнителя на сцене. В концертный альбом могут быть включены записи как с одного концерта, так и записи с нескольких концертных выступлений. Они обычно имеют менее «законченный» характер, чем студийные альбомы, и предназначены для воспроизведения части атмосферы концертного выступления. Они могут включать...
Неосо́ул (англ. Neo soul) — термин, введённый в оборот музыкальным менеджером Кедаром Массенбургом в 1990-х для обозначения нового музыкального стиля, возникшего вследствие развития традиционного соула и современного ритм-энд-блюза. Основанный в основном на соуле, неосоул отличается менее традиционным звучанием в сравнении с современным ритм-н-блюзом и заимствует элементы джаза, фанка, хип-хопа, поп-музыки, фьюжн и африканской музыки.
Лейбл звукозаписи (англ. record label, торговая марка звукозаписывающей компании) — бренд, созданный компаниями, занимающимися производством, распространением и продвижением аудио- и иногда видеозаписей (главным образом музыкальные видеоклипы и видеозаписи концертов) на носителях разных форматов (среди которых грампластинки, компакт-кассеты, компакт-диски, мини-диски, SACD, DVD; с развитием интернета также получили популярность цифровая дистрибуция и потоковые трансляции мультимедиа).
Рок-группа — музыкальный коллектив, работающий в жанре рок-музыки. Первые рок-группы появились в США и Великобритании во второй половине 1950-х гг., одновременно с популяризацией рок-н-ролла.
Хип-хоп (англ. Hip-hop) — музыкальный жанр. Хип-хоп имеет большое количество направлений: от достаточно «лёгких» стилей, таких как поп-рэп, до агрессивных — хардкор-рэп, хорроркор. Содержание песен варьируется от лёгкого и непринуждённого, вроде воспоминаний о «старых добрых временах», до поднимающего социальные проблемы.
Софт-рок (англ. Soft rock — «мягкий рок») или лайт-рок (англ. light rock — «лёгкий рок») — музыкальный жанр, применяющий техники рок-музыки (в частности, элементы фолк-рока) для создания более приятного, мягкого и приглушенного звучания.
Рэп-рок (англ. Rap rock) — жанр музыки, соединяющий вокальные элементы хип-хопа с разными инструментальными формами альтернативной-музыки. Исторически первыми рок-группами, экспериментировавшими с рэпом, были Blondie и The Clash. Ремейк на песню «Walk This Way» 1975 года выпустила группа Aerosmith (совместно с Run-D.M.C.) в 1986 году, что способствовало популяризации хип-хопа среди белых аудиторий. Почти одновременно в рамках жанра появились фанк-метал и рэпкор, чуть позже оформился рэп-метал. Впоследствии...
Со́ул (от английского soul — «душа») — жанр популярной музыки афро-американского происхождения, возникший в южных штатах США в 1950-е годы на основе ритм-энд-блюза. Характерную эмоционально-прочувствованную, экстатическую, порой экзальтированную, «душевную» вокальную манеру соул-музыка восприняла из традиции духовных песнопений госпел и спиричуэлс, а также джазовой вокальной импровизации.
Ди́ско (англ. Disco, букв. — «дискотека») — один из основных жанров танцевальной музыки XX века, возникший в начале 1970-x годов.
Звуковая дорожка — запись звука в виде непрерывной линии на каком-либо носителе (грампластинке, магнитной ленте, киноплёнке, компакт-диске), а также записанная на цифровом носителе последовательность команд MIDI; аналоговая или цифровая запись звучания отдельной партии (инструмента, вокала и прочее) при сведе́нии общей мастер-записи, стереофонической или многоканальной (многодорожечной), при количестве каналов записи звука более двух.
Попурри ́ (фр. pot-pourri — мешанина) — музыкальная инструментальная пьеса, составленная из популярных мотивов других сочинений. Произведение для хора, вокального ансамбля или солиста, составленное из песен, объединённых одной темой, написанных в одной или одноимённых тональностях, а в разных тональностях связанных модулирующей последовательностью аккордов.
Упоминания в литературе (продолжение)
Параллельно молитвословиям норито, к VI–VIII вв. стали появляться поэтические произведения или, как их принято называть в Японии,
песни , имевшие в большинстве своём ярко выраженную личностную окраску, но по форме (ритмическое чередование пяти- и семисложных строк) близкие литургическим текстам. Эти песни были по указанию императоров собраны по всей стране и объединены в колоссальный литературный памятник эпохи Нара – первую японскую поэтическую антологию «Манъёсю» (Собрание мириад листьев, сер. VIII в.). В «Манъёсю» вошли более 4,5 тыс. произведений IV–VIII вв. разного жанра, написанных разными авторами – как знатными, так и простыми людьми, а также анонимных.
Механизм творческого процесса, характерный для национального литературного развития аварцев, достаточно емко раскрыл профессор Л.И. Жирков: «Раз появившись, удачная
песня передается не только устным путем. Она является обыкновенно довольно длинным произведением. Она в буквальном смысле пишется уже самим автором, переписывается его друзьями, в записан ном виде идет в другие аулы, в соседние округа. Ее обыкновенно на какой-нибудь из известных мотивов поют, и как есть известные поэты, так есть там и известные музыканты-композиторы».[1] В этом ключе, по такой технологии творил и Махмуд. Место его в культурной жизни общества можно сравнить с деятельностью бардов в настоящее время. Он был и автором произведения, и его исполнителем, аранжировщиком известных мелодий, порою и автором музыки. Его поэзия была звучащей, так она бытовала, функционировала, хранилась и представляла собой песенную поэзию.
Естественно, что XX век, с его антиромантической ориентацией, сделал дальнейшее прямое развитие шопеновских традиций в области композиции практически нереальным. Однако интересно, что иной раз шопеновское проявлялось косвенно, подобно «отраженному свету» и в самых, казалось бы, неблагоприятных условиях. Нельзя не вспомнить, что Шостакович в 1927 г. участвовал как пианист в конкурсе имени Шопена в Варшаве и получил там диплом. Вскоре после этого он создает одно из своих самых авангардных и дерзких произведений – фортепианный цикл «Афоризмы». Возникает впечатление, что композитор-пианист, проведя долгое время в общении с музыкой Шопена, захотел полностью отрешиться от мира романтических интонаций и подвергнуть их переосмыслению. Однако он развил шопеновский метод как таковой, используя знаки жанра как носители утонченных смыслов, вступающих между собой в сложнейшую «игру». Вероятно, это и было поводом для критиков упрекать Шостаковича в литературности, которая в целом музыке 1920-х гг. была не свойственна. Но самое примечательное критическое высказывание касается последней пьесы цикла («Колыбельная
песня ») – о совмещении в ней влияний Стравинского и Шопена – иными словами, о совмещении несовместимого. По сути дела, «Колыбельная» в первую очередь опирается на жанр барочной арии с чертами пассакальи; однако в ее фактуре есть именно шопеновская пространственность.
Можно указать еще ряд параллелей между «Барабаном» и «Снигирем». Оба стихотворения основаны на синкопированной ритмической схеме дактилической строки, подражающей военному маршу; в обоих рифмовка выходит за пределы отдельных строф и связывает в единое целое все сегменты поэтического текста. Близки они и интонационно: стихотворение Державина почти все составлено из вопрошаний, оно ими начинается («Что ты заводишь
песню военну / Флейте подобно, милый снигирь?») и заканчивается («…что воевать?»). Цветаева, вообще значительно более склонная к восклицательному модусу, чем к вопросительному, также обрамляет свое стихотворение знаками вопроса[49]. Время действия стихотворения Цветаевой, как и Державина, – май месяц, а использованный ею образ банальной свирели, на которой играет пастушка-поэтесса, резонирует с державинским сравнением неуместно легкомысленной песни снегиря с флейтой (собственно, слово свирель обладает фонетическим сходством со словом снигирь, на что Цветаева, с ее параномастическим чутьем, не могла не обратить внимания). В «Барабане», как и в «Снигире», лирическая поэзия наделяется правом преодолевать пропасть между несовместимыми в жизни печалью и радостью, что служит своего рода обетованием уврачевания реальных жизненных утрат, разломов и ограничений. И наконец, Цветаева в «Барабане» занимает по отношению к Державину такое же положение, как тот, в «Снигире», к Суворову: в обоих поэтических текстах поэты размечают границы своей поэтической территории на могиле почитаемого предшественника.
В
песнях такого рода замужество не просто переход в другую ипостась жизненного существования, а превращение, чреватое смертью – «здесь я жить не буду». Именно эти настроения, характерные для миросознания русской женщины, позднее нашли свое выражение, например, в поэзии Н.А. Некрасова, совершенно определенно произрастающей из отечественного песенного фольклора. Так, его Матрена Тимофеевна Корчагина из поэмы «Кому на Руси жить хорошо» («Крестьянка») фактически воспроизводит путь фольклорной лирической героини, причем в гораздо более жестком варианте:
Работа Аничкова, на которую Блок неоднократно ссылается в статье об архаической магии, оказалась для него не только источником, но и своеобразным источником источников: целый ряд идей, остававшихся актуальными для поэта в течение длительного времени, был воспринят Блоком через посредство «Весенней обрядовой
песни ». Так, мысль о «принудительности» ритма, высказанная в «Поэзии заговоров и заклинаний», восходит не только к позаимствованным из исследования Аничкова фрагментам «Веселой науки» Ницше, чье имя Блок упоминает в статье (и в чью книгу он, видимо, в тот момент не заглядывал), но и к труду прославленного немецкого экономиста Карла Бюхера «Работа и ритм», изложение идей которого в «Весенней обрядовой песне» оказалось весьма существенным для поэта. В книге Бюхера, посвященной изучению генезиса и функции так называемых трудовых песен, Аничков выделяет представление о взаимовлиянии трудовых практик и структуры трудовой лирики; причем основным посредником этого двунаправленного процесса оказывается именно ритм. С одной стороны, ритм песни подается в качестве реплики, миметически точной копии трудового ритма:
Среди около 140 примеров, составивших, по всей видимости, полную коллекцию детских игр, частично очень старых, встречается около 30 мелодий, т. е. мелодия есть почти в каждой пятой игре, и они, несомненно, испытали на себе влияние пентатоники [79]. Любопытно проследить, как благодаря добавлению переходных нот первоначально пентатонический характер этих мелодий приближается к сегодняшнему мажору. Чистое пятизвучие содержится в хороводной
песне из Саксонии, сходной по тексту с песней германских норн[38]:
Лермонтову свойственно повышенное внимание к такому поэтическому материалу, который Пушкиным не разработан или разработан сравнительно мало. Мы имеем в виду не только сюжетно-тематический материал вроде, скажем, характерной московско-исторической «костюмности» (удельный вес «Двух великанов» и «
Песни про купца Калашникова» в лермонтовской поэзии явно выше, чем в пушкинской вес его сказок и некоторых стилизаций). Важнее другое – материал поэзии в возможно более общем, широком смысле: где у Пушкина экскурс, стилизация, там у Лермонтова – мелодии, сразу врезавшиеся в память и второй век не дающие покоя эпигонам и пародистам, – самый, наверное, надежный признак события в поэзии.
Широко известна музыка к «Броненосцу “Потемкин”», составленная в 1976 г. из фрагментов нескольких симфоний Дмитрия Шостаковича. Еще ранее, в 1949 г. (к 25-летию выхода фильма на экраны), была попытка известного советского кинокомпозитора Николая Крюкова оформить фильм, но эта музыка канула в безвестность после появления признанной очень удачной компиляции Шостаковича[29]. Однако именно музыка Майзеля создавалась при непосредственном участии в творческом процессе самого Эйзенштейна и полностью его удовлетворила как идеально воплощающая его идею сквозного ритмического начала фильма: «По поводу монтажа мы приводили в одну систему с ритмом и мелодическое, и тональное, и обертонное начала. Через обертоны изображения мы имели возможность установить возможности физиологической соизмеримости изображения со звуком через обертоны звуковые» <…> «Именно ритм явился и тем решающим началом, через которое шло и пришло осознавание и органически образной взаимосвязи звука и изображения таким, каким оно укладывается в единую нашу концепцию о всех элементах всех фаз кинематографа»[30]. (О степени участия режиссера в создании музыкальной партитуры к фильму свидетельствует также тот факт, что в 1926 году Эйзенштейн специально привозил в Германию записи русских
песен «Вы жертвою пали в борьбе роковой» и «Дубинушка» для того, чтобы Майзель использовал отрывки из них в своей партитуре.)
Эссе третьего цикла – Контексты прочтения: языки, культуры, источники – сосредоточены на языках, культурах и источниках поэзии Седаковой. В них исследуются ее взаимоотношения с другими людьми, другими местами, другими культурами – ушедшими и нынешними – и, таким образом, прослеживается диалог Седаковой с русскими поэтами, повлиявшими на ее творчество; ее связи с европейскими поэтами, которых она переводила; ее отклик на традиции, кажущиеся далекими от русской культуры, однако ставшие важными для поэта – например, древнекитайские. Автор первого эссе – Илья Кукулин – назвал свою работу «Стилизация фольклора как воспоминание о Европе: “Старые
песни ” и “Песни западных славян”». Сравнивая «Старые песни» Седаковой с пушкинскими «Песнями западных славян», Кукулин сопоставляет культурно-политические проблемы, решаемые каждым из этих поэтов. Хотя их разделяет больше сотни лет, жизни обоих отмечены моментами исторического и культурного кризиса. Седакова писала «Старые песни» в период небывало высокого напряжения между условно русским и европейским мировоззрениями (1980); ее ответом на эту риторику времен конца холодной войны стал взгляд на русскую культуру как на культуру самобытную и при этом европейскую в своей основе, и, как убедительнейшим образом доказывает Кукулин, только в контексте этого сравнения начинаешь понимать, насколько европейским является мироощущение цикла стихотворений, которые при этом так глубоко укоренены в православной народной культуре. Эссе Кукулина представляет тонкий филологический анализ «Старых песен» в широком культурно-историческом контексте.
К этому присоединяется и другой народно-психологический момент. В основе французских chansons de geste лежат старые былевые
песни о Карле Великом и его сверстниках, заслонившие и поглотившие более древние песенные предания меровингской поры. Они жили, может быть, группировались, как наши былины, забывались и обобщались: это обычный механический процесс народной идеализации. Через два столетия chansons de geste обновят эти сюжеты; те же имена и сходные подвиги, но настроение новое: мы в разгаре феодальной эпохи, полной звука мечей и героически-народного, жизнерадостного самосознания, поддержанного чувством единой политической силы; douce France раздается повсюду. Личный поэт выбрал бы для выражения этого национального самосознания вымышленные типы либо современных исторических деятелей с поправками под стиль типа. Для полуличного певца старой эпопеи, как мы характеризовали его выше, это было бы психически немыслимо, да его бы и не поняли, и он бессознательно берется за материал старых преданий и песенных типов, которые поколения певцов и слушателей постепенно приближали к своему пониманию, к уровню времени. Император Карл сделается народным властителем Франции тем же путем, как Илья Муромец богатырем-крестьянином; сарацины, саксы стали врагами Франции вообще, поэту оставалось только овладеть этой совершившейся без него, но и в нем самом, идеализацией – и явился французский исторический эпос; исторический не в том смысле, что в нем выведены действительные исторические лица, а в том, что в формах прошлого он выразил народное настроение настоящего.
Замечательно, как простое соседство (отбитого анжамбманом) слова «жертвенник» окрашивает слова «хоры поют»: по-видимому, совершается служение языческим богам. В подлиннике, где вместо «хоры поют» было сказано «музыка и
песни оглашают весь дом», не было ни направления «вверх», ни сакральной окраски. После этого жертвенника с хорами у Пушкина с совершенной легкостью, несмотря на слово «но», происходит поворот к дидактической части стихотворения, к формулировочному обобщению наглядно продемонстрированного образа античности: «должно… вещать благовещие речи, должно бессмертных молить» и т. д. И еще одну функцию несут эти «хоры» – функцию мнимой концовки: стихотворение становится «песней о песне», как бы замыкается само на себе и на этом поневоле останавливается. Такой композиционный ход давно был освоен поэзией, романтической в особенности.
Весьма показательны для словарей и высокочастотные прилагательные: родной – низшие эпические
песни ; старый, широкий, зеленый – семейные и любовные. Значимыми для песен балладного типа оказались числительное один и наречие там. Выявлены несоответствия и среди глаголов. Если в семейных и любовных песнях в группу ядерных попали слова стоять, гулять, любить, то в низших эпических песнях особая роль отводится глаголу плакать, что, безусловно, обусловлено их драматической сюжетной линией:
Бардовская, или, как ее еще называют, авторская
песня – сложное, многогранное явление, имеющее свою историю развития. Авторской песне присуще особое качество: отличающая ее зачастую внешняя простота и доступность сочетается с удивительной искренностью. Причин тому несколько. Одна из них – хорошие стихи. Авторская песня бытует, в основном, в среде городской интеллигенции, которая предъявляет высокие требования к отбору стихотворного материала. Вторая – это музыка, опирающаяся на многовековую культуру русской вокальной лирики, с присущими ей теплыми, задушевными интонациями, вниманием к озвучиваемому слову.
Начинается трагедия с актерских партий, составляющих проло́г («предисловие»). В прологе называется место действия, иногда действующие лица, и объясняется, что произошло с этими персонажами до начала действия. Началом трагедии также может служить прибытие хора и его
песня – па́род. В дальнейшем происходит чередование эписо́диев («привхождений»), во время которых исчезают одни персонажи и появляются новые, и ста́симов («стояний»), то есть песен хора. Хоровые партии построены симметрично и состоят из строф («поворотов») и антистроф («поворотов в противоположную сторону»), следовательно, хор сопровождал свое пение различными движениями. Эпо́д – хоровая партия, отличная по структуре от строфы и антистрофы. За последним стасимом идет эксо́д («выход») – заключительная часть трагедии, в конце которой актеры и хор покидают место игры. В эписодиях и эксоде возможен диалог актера с корифеем, а также коммо́с. В переводе это слово означает «удары»: биение в грудь служило выражением скорби. Коммос – это совместная партия актера и хора в наиболее патетических частях трагедии.
Настоящая работа представляет определенную ценность – возможно, даже большую, чем два упомянутых стандартных труда, – в силу того, что в ней предпринята попытка составить цельную картину личности Миларепы, его
песен и стиля поучений. «Сто тысяч песен», а также, возможно, и его автобиография тоже составлялись из историй, ранее передававшихся изустно. Письменные версии создал Безумный йогин из Цанга, носящий костяные украшения, – Цанг Ньон Херука Рупэ Гьен (gtsang smyon he ru ka rus pa’i rgyan). При стилистическом сравнении нескольких отрывков из «Историй и песен» с содержанием работ Цанг Ньона Херуки напрашивается вывод, что этот йогин с его литературными способностями привнес в тексты много своего. Например, глава «Мила встречается с Падампой Сангье» соответствует главе 53 «Ста тысяч песен» в переводе Чанга. Два варианта одной истории заметно отличаются друг от друга. И повествовательная, и песенная части, содержащиеся в настоящем издании, почти вдвое короче стандартного изложения из книги «Сто тысяч песен». Что еще важнее, в нашем источнике меньше сложных мест и вычурных поэтических элементов. Общий тон отличается большей непринужденностью и оказывает более прямое воздействие, особенно при чтении вслух. Создается впечатление, что это скорее импровизация, чем сочиненное произведение.
Многие свои стихи поэт слышал как
песни , он и называл их песнями. Тем самым он возвращал понятию поэзии значение, которое оно имело в эпохуромантизма, особенно тойчасти поэзии, которая была связана с фольклорными истоками. Он заботился о мелодичности, ритме и рифме стиха, использовал присущие народной песне параллелизмы, композиционные повторы, кольцевое построение. Присущи Броневскому и другие нововведения в области формы: «ораторско-агитационная» интонация, введение тонического стиха, широкое применение ассонанса, смелые поэтические гиперболы, энергичная ораторская фраза. Броневский сделал достоянием польской поэзии современную политическую лексику, мастерски использовал в своих стихах язык газет, листовок, рабочих собраний и митингов. Стихи Броневского с энтузиазмом принимались рабочей аудиторией, популярны они были также в кругах левой интеллигенции.
Двадцать лет назад Зинаида Николаевна начала записывать свои
песни и наигрыши гармонистов Котласского района Архангельской области. В 2004 году была издана часть песенного материала Зинаиды Николаевны (556 текстов) в сборнике «Песни о любви» (Архангельск: Издательство АГТУ, 2004 г.). В предлагаемой книге мы оставляем этот материал почти без изменений, с комментариями иполнительницы к отдельным тематическим подборкам. Издание не претендовало на научность по формальным признакам, но по сути оно отражало подлинный фольклорный материал нашей местности с небольшим количеством авторских текстов. После 2004 года Зинаида Николаевна продолжала записывать песни, подбирая их по небольшим темам. Так сложилось продолжение «Песен о любви», насчитывающее ещё 1246 текстов. В общей сложности издание содержит 1802 песни (частушки).
Как уже отмечалось, стихи пятой
песни «Ада», записанные Пушкиным после окончания «Руслана и Людмилы», были из тех дантовских строк, что быстро входили в разряд крылатых выражений. Почти в ту же пору их вписал в альбом Марии Верещак Адам Мицкевич. К ним обращались Вяземский, Рылеев, А. Тургенев…[198] Широкая популярность одних и тех же стихов «Комедии» определялась не только их афористической емкостью и художественной силой, но частично и тем, что все они встречались читателю на страницах «Литературной истории Италии» Женгене. Его труд был хорошо известен молодому Пушкину. Он пользовался им, намереваясь приступить к сочинению «Бовы»[199].
Еще один раздел сборника составляют
песни , подвергавшиеся гонениям по самым различным причинам и не рекомендованные к открытому исполнению. Среди них музыкальные произведения – как профессиональных, так и самодеятельных авторов – на темы бытовые, политические и так называемой «воровской романтики» и др. Смена политического руководства, колебания партийно-эстетических установок, проведение различных назидательных кампаний, «неправильное» поведение авторов – все это чутко отслеживалось аппаратом, в чьем ведении находилось руководство музыкальным творчеством, и оценивалось с точки зрения полезности для «простого советского человека». Теперь, когда события тех лет давно уже стали достоянием истории, отчетливо видны несправедливость и тщетность бурной «запретительской» деятельности музыкальных надсмотрщиков. Песни, которые они запрещали, сегодня звучат на радио и в телеэфире, записываются на пластинки, исполняются на различных концертах.
Журналист взялся за такую трудную тему, как несостоявшееся семейное счастье. Часами он фиксировал диалоги людей, которые пришли в загс, чтобы официально оформить свой разрыв (разумеется, все записи производились с разрешения всех участников этих разговоров). Иногда эти разговоры были столь кратки, почти односложны (персонажи тем не менее представляли бесспорный интерес), что журналист не побоялся продолжить рассказ уже не в форме диалога, а включив в текст описание людей, не нарушая при этом эмоциональной атмосферы взаимоотношений в их «критической точке». А когда текста явно не хватало, то журналист искал логическое продолжение своего повествования в музыке. Для всей передачи – а в ней рассказ о семи неудачных браках, о семи парах, по разным причинам потерявших свое счастье, – была выбрана одна-единственная мелодия – «Осенняя
песня » П.И. Чайковского. Она возникала в передаче неоднократно, но каждый раз в новом звучании – рояль, виолончель, гобой, гармошка, оркестр, – и каждый раз автор вместе с режиссером находил ту неповторимую ритмическую, мелодическую и тембровую краску, которая позволяла музыке продолжить мысли и чувства журналиста и его героев.
Пегамом является не только первым опубликованным примером словенского народного творчества, но и одной из самых известных словенских эпических
песен светского содержания. Упоминания о ней встречаются в исторических источниках еще до того, как она была записана [29]. Содержательное ядро песни – поединок между рыцарем и великаном, обладающим сверхчеловеческой силой. Первоисточником здесь стал вавилонский мотив боя богатыря с великаном, который оставил след в еврейской традиции (Давид и Голиаф) и распространился по всей Европе в прозаическом и песенном вариантах. Эта песня очень распространена, о чем свидетельствуют многочисленные изображения на фронтальных досках расписных ульев.
В этом возрасте у малыша уже достаточен объем музыкально-слуховых представлений. Большинство детей помнят, узнают, называют довольно много знакомых музыкальных произведений, что свидетельствует об обогащении их музыкальной памяти. Имеющийся музыкальный опыт позволяет им вслушиваться и различать музыку первичных жанров (песня, танец, марш), а также некоторые разновидности
песни (колыбельная и плясовая).
Как и Пушкин, его собратья по перу в своей творческой практике обращались к разным жанрам. Они писали баллады, дружеские послания, сонеты, стансы,
песни . Особое предпочтение отдавалось элегии, которая давала возможность наиболее полно выразить внутренний мир поэта, его размышления о жизни, и одновременно она позволяла включить в поэтический мир широкий круг исторических, философских и общественно-политических вопросов. Некоторые поэты пушкинского времени в разработке отдельных жанров достигали порой даже больших успехов, чем сам Пушкин, который, например, признавал первенствующую роль А. Дельвига в создании русского сонета:
Мы попытались представить собрание самых лучших и характернейших образцов русской
песни . Это, разумеется, лишь небольшая часть несметного духовного богатства нашего народа. Думаем, что знакомство с ней способно доставить каждому глубокое эстетическое наслаждение. Нелишним будет отметить, что народные песни всегда являлись тем богатейшим материалом, на основе которого развивалось творчество русских композиторов. Поэтому в сборнике представлены некоторые авторские песни, в них указано, чьи слова и музыка.
Исследуя поэтическую речь как в фонетическом и словарном составе, так и в характере расположения слов, и в характере смысловых построений, составленных из ее слов, мы везде встретимся с тем же признаком художественного: с тем, что оно нарочито создано для выведенного из автоматизма восприятия, и с тем, что в нем видение его представляет цель творца и оно «искусственно» создано так, что восприятие на нем задерживается и достигает возможно высокой своей силы и длительности, причем вещь воспринимается не в своей пространственности, а, так сказать, в своей непрерывности.[82] Этим условиям и удовлетворяет «поэтический язык». Поэтический язык по Аристотелю должен иметь характер чужеземного, удивительного; практически он и является часто чужим: сумерийский у ассирийцев, латынь у средневековой Европы, арабизмы у персов, древнеболгарский как основа русского литературного, или же языком повышенным, как язык народных
песен , близкий к литературному. Сюда же относятся столь широко распространенные архаизмы поэтического языка, затруднения языка dolce stil nuovo (XII), язык Арно Даниеля с его темным стилем и затрудненными (harte) формами, полагающими трудности при произношении (Diez. Leben und Werke der Troubadour, S. 213). Л. Якубинский в своей статье доказал закон затруднения для фонетики поэтического языка в частном случае повторения одинаковых звуков. Таким образом, язык поэзии – язык трудный, затрудненный, заторможенный. В некоторых частных случаях язык поэзии приближается к языку прозы, но это не нарушает закона трудности.
Дело в том, что техника владения инструментами, английский язык и общая музыкальная культура для большинства наших самодеятельных рокеров всегда были ахиллесовой пятой. По крайней мере, до недавнего времени. И при всем внешнем англоязычном влиянии их корни удивительно глубоко сидят в российской почве. Заявляю с полной ответственностью, что наш родной аутентичный рок вырос отнюдь не из вкусных битловских гармоний, не из рваных стоунзовских ритмов, не из пронзительной мелодики цеппелинов и тяжелого диппепловского драйва! Он совершенно естественным образом возник из трехаккордовой «авторской
песни », из которой по дороге просто куда-то выпали глубинная мудрость Окуджавы, острый сарказм Галича, воздушная легкость Кима и рвущий душу темперамент Высоцкого. А… что тогда в нем осталось-то, а?
Само понятие жанра сложилось не сразу. Представление о жанре как о группе произведений уходит корнями в фольклор, поскольку именно там жанровые границы сложились раньше всего и четче всего соблюдались. Прежде всего это касается эпоса, форма и исполнение которого обычно жестко регламентировались. Не менее четко осознавались и признаки таких произведений, как трудовая, обрядовая или лирическая
песня , сказка или быличка. Любопытно, что именно в фольклоре появились и первые термины для обозначения жанров.
Тема перевоспитания в музыкальной партитуре динамична. Сообразно событиям фильма она видоизменяется, в общей своей тональности тяготея к пафосному утверждению новых идеалов. Хотя у лейт-темы при этом практически отсутствует ведущая мелодия, в то время как напевы бандитских
песен , их легко льющиеся примитивные аккорды оказываются более запоминающимися.
Это начало связано с именем Александра Николаевича Веселовского (1838–1906), чье творчество относится, собственно говоря, к XIX веку, но чье научное значение и влияние[1] целиком принадлежит веку двадцатому. Я говорю прежде всего об учении Веселовского о мотиве и сюжете в литературном повествовании, этих фундаментальных категориях науки о литературе. В какой-то мере значение этих исследований А.Н. Веселовского для науки о литературе можно сравнить с открытием Д.И. Менделеевым, современником Веселовского, закономерностей периодической системы элементов. Позднейшие исследования по жанровому распределению и классификации мотивов и сюжетов в устном народном творчестве (А. Аарне, Н. Андреев, С. Томпсон) позволили обрисовать более или менее полную картину того, как и какие мотивы группируются в структурные части сюжетов (напр., зачин, экспозиция, начало, затруднение, сокрытие, испытание, открытие, апогей, раскрытие /проверка/, награда /наказание/, эпилог), характеризующих те или иные жанры, как, например, лирическую
песню , эпическую балладу, волшебную сказку, легенду, эпический нарратив детства и юности героя, эллинистический роман, эллинистическое повествование о путешествии («периэгезис») и т.д. и т.п.
Специально следует остановиться на колыбельных
песнях . Многие исследователи придают им большое значение. Г. Н. Волков отмечает: в колыбельных песнях любят ребенка, которого укачивают, и детей вообще. «Содержание песен и манера их исполнения свидетельствуют о том, что народ во многих отношениях смысл своей жизни видел в детях, в их правильном воспитании и развитии, в улучшении их жизни, счастье свое в будущем связывал со счастливым будущим детей»[19]. И далее: «Если до конца прочувствовать старинную колыбельную песню, уловить тонкие нюансы ее ритма, мелодии, слов, выражающие сложнейшую гамму человеческих чувств и переживаний, взаимодействие нежнейших сторон психики матери, то невольно можно задуматься о возрождении наиболее сильных сторон колыбельной песни в практике современного дошкольного воспитания в семье. Да и в яслях отсутствие колыбелей не исключает возможность применения какой-то степени колыбельных песен».
Однако метод изучения фольклорных текстов, связанный с попыткой относительно точного датирования времени их происхождения на основе дат первых их публикаций не может быть в полной мере применен к фольклору, и поэтому это не является основанием для отнесения времени возникновения тех или иных жанров фольклора именно к периоду не ранее XVIII века. Поэтому принято считать, что частушка возникла в середине XIX века в мужской среде и наибольшее развитие получила после становления советской власти. Предшественниками ее были игровые и плясовые
песни , которые в народе называли «частыми».
Правда, с самого начала возникает вопрос, почему шарманка названа шарлатанкой, раз в русском языке «шарлатанка» принадлежит полю значений, связанных с мошенничеством, ложью и т. п. В контексте стихотворения, однако, сочетание «шарманка-шарлатанка» становится понятнее, коль скоро шарманка ассоциируется со сферой чувств, которые могут обманывать, заставляют поступать опрометчиво и страдать от этого; но именно благодаря сильно развитой эмоциональной составляющей художник становится художником, а инстинктом самосохранения он обычно не руководствуется. Ясен тут и намек на известную песенку «Ах, шарабан мой, американка, а я девчонка, я шарлатанка» – песенка появилась в начале ХХ века в сравнительно невинном ресторанном варианте, а возможно, тогда же и в шарманочном, позже превратилась в «блатную» и теперь существует во множестве вариантов жанра «шансон»[66]. («Так, куплеты гражданской войны с рефреном “Ах. шарабан мой…” теряют неактуальные более строки, “добирают” популярной уголовной экзотики и превращаются в блатную
песню »[67]). Окуджава избегает высокопарности и намеренно снижает пафос с помощью блатных ассоциаций, в данном случае связанных со словом «шарлатанка»; далее, уже в последней строке, снижение используется еще раз, так как выражение «когда под рёбра бьют» намекает либо на драку, либо на избиение следователем, а то и другое часто упоминается в блатных песнях.