Опера

О́пера (от итал. opera — дело, труд, работа; лат. opera — труды, изделия, произведения, мн. ч. от opus) — род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки. В отличие от драматического театра, где музыка выполняет служебные функции, в опере она является основным носителем действия. Литературной основой оперы является либретто, оригинальное или основанное на литературном произведении.

Условный термин «опера» появился позже, чем обозначаемый им род произведений. Впервые использованный в этом значении в 1639 году, он вошёл во всеобщее употребление только на рубеже XVIII и XIX веков.

Источник: Википедия

Упоминания в литературе

Шаляпина по праву причисляют к лучшим исполнителям. Его появление на оперных подмостках привело к пересмотру предшествовавшей исполнительской практики и самым решительным образом повлияло на изменение эстетики оперного искусства. Исключительная музыкальность, богатство и наполненность его голоса, обилие оттенков, способных выразить тончайшие нюансы психологического состояния персонажей, колоссальное актерское дарование, огромная эрудиция и комплексный подход к оперному искусству – все это сделало его родоначальником новой исполнительской традиции. Личность Шаляпина оказала сильное влияние не только на русский музыкальный театр, но и на все мировое сценическое искусство конца XIX – начала XX веков. Его участие в историческом Русском сезоне 1907–1908 годов в Париже стало значительным вкладом в западноевропейскую культуру. Именно благодаря Шаляпину оперы русских комнозиторов «Борис Годунов» и «Хованщина» М. П. Мусоргского, «Князь Игорь» А. П. Бородина, «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») М. И. Глинки, «Садко» и «Иван Грозный» Н. А. Римского-Корсакова, вошли в золотой фонд мирового оперного репертуара. После исполнения Ф. И. Шаляпиным главных партий в «Мефистофеле» А. Бойто и «Дон Кихоте» Ж. Массне эти произведения приобрели популярность и навсегда вошли в фонд мирового музыкального наследия. Точно так же его трактовка образов Бертрама в «Роберте-дьяволе» Дж. Мейербера, Дона Базилио в «Севильском цирюльнике» Дж. Россини и Мефистофеля в «Фаусте» Ш. Гуно придала персонажам жизненность и убедительность, освободив их от традиционных оперных клише.

Бранислав Ятич, Шаляпин против Эйфелевой башни, 2013

Если в «Альберте Херринге» и «Билли Бадде» большая смысловая нагрузка ложится на интерпретацию образа главного героя, то последняя опера Бриттена, к которой мы сегодня обратимся – «Сон в летнюю ночь», показанная в московском театре им. Станиславского и Немировича-Данченко – это оперный нарратив со многими персонажами, в котором сочетаются самые разные характеры и настроения. Хронологически интерпретация шекспировской комедии (либретто самого Бриттена и Питера Пирса) принадлежит к позднему периоду творчества композитора (1960 г.). старинной музыки и остроумная пародия в сценах ремесленников делают «Сон в летнюю ночь» одной из самых красочных оперных партитур XX столетия. Несомненно, одна из лучших опер не только Бриттена, но и XX века в целом, была представлена в Москве в 2012 г. после исполнения на год раньше Английской национальной оперой. Постановочная группа спектакля во главе с режиссером Кристофером Олденом перенесла спектакль на московскую сцену, где исполнить оперу предстояло артистам и оркестру театра под руководством английского дирижера Уильяма Лейси.

Е. Н. Шапинская, Избранные работы по философии культуры, 2014

Следующими его произведениями были многочисленные мелкие вещи, преимущественно религиозного содержания. Также строго выдержанные по форме, они очень похожи по стилю на кантату и носят чисто немецкий характер, которым отмечены все юношеские произведения Мейербера вплоть до поездки его в Италию. Особенно удачными вышли «Семь религиозных песен» на слова Клопштока. Простые, но прочувствованные, «проникнутые глубокой религиозной поэзией, эти песни принадлежат к лучшим произведениям этого рода». В школе аббата Фоглера Мейерберу приходилось упражняться преимущественно на церковной музыке, поэтому весьма естественно, что он достиг наибольшего мастерства в этом роде творчества и что его первые произведения почти исключительно носят религиозный характер. Так, он вскоре написал на библейский сюжет возбудившую необыкновенный восторг товарищей его по школе оперу «Клятва Иевфая». Она была исполнена в Мюнхене, но, против ожидания автора и его друзей, не имела успеха, причина чего кроется не только в бедности мелодий и в сухости форм, но также в неумело составленном либретто. Мейербер сам руководил последними репетициями и управлял оркестром во время представления, роли были поручены лучшим исполнителям, но ничто не спасло этой оперы от ее горькой участи.

Мария Давыдова, Джакомо Мейербер. Его жизнь и музыкальная деятельность

«Евгений Онегин» с его поэтичностью, искренностью и скромностью чувств, с его русскими характерами и атмосферой, впервые поставленный, по желанию автора, силами студентов Московской консерватории (1879), вскоре стал событием профессиональной сцены (Большой театр, 1881), ознаменовавшим национальный этап в жизни отечественного оперного театра. Еще при жизни автора опера получила мировую известность. Но если «Евгений Онегин» – только восхождение Чайковского к славе, то «Пиковая дама» – ее вершина. Их разделял путь в двенадцать лет, который дал России и миру десятки выдающихся произведений художника – симфонических, инструментальных, оперных, камерных (Чайковский создал целую панораму музыкальных сочинений в самых разных жанрах и для самых разных инструментов), и в том числе трио «Памяти великого художника», одухотвореннейшую Пятую симфонию, народную музыкальную драму «Чародейка», музыку к балету «Спящая красавица», программную симфонию «Манфред». И это помимо его деятельности дирижера, критика, педагога, пропагандиста отечественной культуры, концертных поездок по Европе, принесших русской музыке престиж за рубежом.

Сборник, Неизвестный Чайковский. Последние годы, 2010

Два театральных произведения синтетического жанра, соединившие драму, оперу и балет, Петров посвятил знаменитейшим отечественным поэтам, Пушкину и Маяковскому – не только воспользовавшись их сюжетами и стихами, но и выведя на сцену самих творцов и их окружение. Согласитесь, для этого потребовалась немалая отвага! Задача была решена, особенно успешно, на мой вкус, в первом случае. Мне жаль, что по-пушкински прозрачная, возвышенная и трогательная музыка этого сочинения недооценена и звучит реже, чем того заслуживает. А еще вспомним «Мастера и Маргариту», один из первых после публикации булгаковского романа его перевод на язык музыки. Свою симфонию-фантазию Андрей затем расширил по просьбе Бориса Эйфмана, и тот поставил на эту музыку балет «Мастер и Маргарита», с успехом показанный в разных странах.

Коллектив авторов, Ваш Андрей Петров. Композитор в воспоминаниях современников

Современные композиторы не уступают классикам. Одним из наиболее известных современных композиторов является Аулис Саллинен. Родился в 1935 г. и написал музыку к операм «Всадник», «Красная линия», «Король отправляется во Францию», «Куллерво» и «Замок». Еще одним композитором, чьи оперы считаются одними из наиболее популярных и известных, является Йоонас Кокконен (1921 – 1996). Его «Последние искушения» – одна из наиболее популярных финских опер. Произведения для хорового исполнения принесли известность Эрику Бергману (род. 1911) Очень интересный и удивительный факт – свою первую оперу «Поющее дерево» композитор написал в 1995 г. в возрасте 84 лет. Особенностью Финской музыки является то, что она носит национальные черты. Но некоторые считают ее в некоторой степени замкнутой на себе, ведь произведения, популярные в Финляндии, за границей почти неизвестны. Легкость, меланхоличность, минорность – вот то, что характерно для финской музыки. Во всей музыке ощущается влияние славянских мелодий. Но особенно популярным в Финляндии является танго, здесь оно исполняется, пожалуй, чаще всего в мире, за исключением Аргентины. Особенно часто танго звучит на летних танцплощадках. Финское и аргентинское танго значительно отличаются друг от друга своим темпераментом: финское грустнее, меланхоличнее аргентинского. Истоком финской народной музыки является пелиманнит, т. е. традиция, шедшая от народных скрипачей, играющих на слух. Очень популярным в Финляндии является и хоровое пение. Каждый год в Каустине проводится фестиваль народной музыки. Hanoi Rocks конца 1980-х гг.и Leningrad Covboys – рок-ансамбли, известные за рубежом. В разных концах земли совместные концерты Leningrad Cowboys и Краснознаменного ансамбля до сих пор собирают десятки тысяч зрителей.

Коллектив авторов, Эти чудные финны, -1

«Оперетты Виктора Херберта “Красная мельница” и “Капризная Мариетта”, поставленные в Нью-Йорке в начале XX века, развивали традиции романтической венской школы. В дальнейшем эти традиции были продолжены Рудольфом Фримлом и Зигмундом Ромбергом. Они создавали свои шоу в расчете на певцов, музыкантов, имевших определенный опыт работы в опере. Комедия здесь была оттеснена на задний план.

Г. В. Краснова, Мюзиклы. Знаменитые и легендарные, 2018

В истории мировой оперы случай “Жизни за царя” является, пожалуй, уникальным: музыка этой великой и во многих отношениях основополагающей для русской культуры оперы была большей частью сочинена Глинкой до либретто. С песнями, как известно, такое происходит довольно часто, но в опере перед автором встают совершенно другие задачи, связанные с драматургией, развитием характеров и т. д. Глинка эти необходимые условия оперного жанра проигнорировал, что проливает дополнительный свет на удивительно спонтанный и капризный характер его гениальности.

С. М. Волков, Большой театр. Культура и политика. Новая история, 2018

Как же дальше развивалась карьера Де Лючия? Только по восходящей лестнице! В 1893 г. уже прославленный итальянец поет на первой сцене мира нью-йоркской оперы «Метрополитен». Первой партией был Хозе в опере Ж. Бизе «Кармен». Труднейшая партия, причем, обычно ее поют драматические тенора. Напомню вам, что в те годы не было разделений на лирические и драматические голоса. Если ты тенор, то пой и Ленского, и Отелло. Уверен, что Де Лючия пел такие партии, как Хозе и Канио в свойственной ему манере, заботясь прежде всего о вокальной стороне партии, о ее красоте и т. п. Добавлю, что Кармен в том памятном спектакле пела знаменитая французская певица Эмма Кальве. Американский сезон для Де Лючия был коротким – всего один год. Кроме Нью-Йорка он покорил Чикаго и на этом решил закончить знакомство с американским слушателем. Несмотря на кажущееся обилие гастрольных поездок, основная деятельность артиста прошла на итальянских сценах. У Де Лючия было много предложений петь в Европе, причем на первых сценах, к коим относились, да и относятся сейчас, такие театры, как лондонский «Ковент-Гарден» и миланская «Скала». Однако премьер предпочитал родные стены театра «Сан Карло» в родном ему Неаполе.

Г. Е. Голубин, Звезды мировой оперы и мастера вокального искусства. На волнах радиопередач, 2014

Ученик Балакирева Римский-Корсаков в молодые годы разделял положения эстетики «Новой русской школы», но в более поздние годы, к рубежу XIX–XX вв., пришел и к эмоционально раскованной мелодике, не прошедшей мимо шопеновского наследия, и к более определенному воздействию Шопена в опере на польский сюжет – «Пан Воевода». Несомненно, что в усилении внимания к Шопену, помимо общего изменения эстетических установок в русском искусстве, также сыграли труды В. В. Стасова – главного «идеолога» «Могучей кучки», который, отдавая должное Шопену, всячески подчеркивал его родство с Глинкой. Казалось бы, Чайковский, «оппонент» балакиревской школы, склонный к непосредственности лирического самовыражения и мелодической экспрессии, мог бы обнаружить точки соприкосновения с Шопеном. Однако по-настоящему этого не произошло! Интонационное наполнение лирики обоих композиторов было слишком разным. Более того, Чайковский не был даже поклонником шопеновской музыки. И все же «эхо» Шопена присутствует в наследии Чайковского: это фортепианная пьеса из ор. 72 – Un poco di Chopin («Немного Шопена»). Примечательно, что, в отличие от всех предыдущих и последующих случаев, это «портрет» Шопена, данный со стороны – почти как полумаска! – с использованием слегка завуалированных цитат.

Сборник статей, Отзвуки Шопена в русской культуре, 2012

До начала 1860-х годов любимым композитором Ницше можно, пожалуй, назвать Шумана. В первых (естественно, полуподражательных) музыкальных сочинениях Фридриха больше всего проявилось влияние именно этого мастера. Но в дружеском юношеском объединении «Германия», участником которого был в те годы Ницше, по подписке распространялся музыкальный журнал, где активно рекламировалась «новая музыка», в первую очередь в лице Рихарда Вагнера. Густав Круг, товарищ Ницше по этому объединению, был большим поклонником творчества Вагнера и настойчиво старался приобщить окружающих, в том числе и Фрица, к его музыке. Приобретя фортепианную партитуру оперы «Тристан и Изольда», выпущенную известным дирижером и концертмейстером Гансом фон Бюловом, Круг нередко играл фрагменты из нее, а Ницше подсаживался к инструменту – да так и «подсел» на Вагнера. Это происходило постепенно, но неуклонно – музыка Вагнера была сколь необычной и сложной, столь и завораживающей.

Э. Л. Сирота, Ницше. Для тех, кто хочет все успеть. Афоризмы, метафоры, цитаты, 2015

Эстетизацию смеха осуществил возникший в России театр миниатюр, для которого одним из главных направлений стала пародия по отношению к искусству каноническому, такому как опера, балет, драматический театр, а также различная режиссерская стилистика, драматические сюжеты и приемы и просто конкретные театральные постановки, шаблоны кинематографа и искусство танца. Творчество театров миниатюр формировало не просто новый тип спектакля, но и новое отношение к современному театральному искусству, новую форму реакции на зрелище. Это были интеллектуально и художественно изысканные новаторские сцены. В отличие от парижских кабаре, возникших в первую очередь как социальная и уж потом эстетическая оппозиция буржуазному салону, кабаре и театры миниатюр в России явились поначалу абсолютно элитарным художественным феноменом, обращенным в первую очередь к самому искусству.

Елена Пенская, Русская развлекательная культура Серебряного века. 1908-1918, 2017

Работа над крупнейшими произведениями итальянской, французской и немецкой оперной классики, разумеется, повышала исполнительскую культуру Большого театра и мастерство его певцов. Но самое ценное было то, что русская оперная классика шаг за шагом постепенно завоевывала у Западных опер свою более весомую долю. Чего же еще не хватало Большому театру? А не хватало, прежде всего, новых премьер, а значит, и внимания со стороны, как композиторов, так и руководства императорских театров. Да, Москва не была столицей России, поэтому трудностей было предостаточно. Ну, а оперная труппа Большого театра… Была ли она сильнее Петербургской в то время? Вряд ли. Можно, пожалуй, без оглядки сказать: слабее.

Г. Е. Голубин, Корифеи русской оперной сцены. На волнах радиопередач, 2013

Несмотря на одобрение Берлиоза, оснований считать первую парижскую оперу Бизе успешной – нет. Театры она не заинтересовала и при жизни Бизе больше не ставилась. А между тем, факт второй постановки – самый, пожалуй, точный критерий успешности первой. Тысячи опер, однажды поставленных и забытых, ни на кого и ни на что не повлияли. В истории жанра они словно бы не считаются, не существуют. Справедливости ради надо отметить, что ни один близкий Бизе по возрасту композитор его круга – Гиро, Сен-Санс, Масс-не, Делиб, да и Лекок – еще не имели повторных постановок своих театральных произведений.

Ю. Г. Димитрин, «Кармен» в первый раз, 2013

Эпоха барокко дала миру выдающихся писателей, художников, архитекторов, создавших поистине классические творения. Однако ни один вид искусства не мог сравниться с музыкой по дерзновенной силе и глубинному новаторству. Зарождение оперы, кантаты, оратории, интенсивное развитие инструментальной музыки (фуга, concerto grosso, ансамблевая и сольная сонаты) – все это свидетельствовало о начале новой эпохи в истории музыкального искусства. В XVII – начале XVIII века черты барокко ярче всего проявились в музыкальном искусстве Италии и Германии. Во Франции в это же время сложился классицизм. С начала XVIII века в Европе параллельно с искусством барокко стал развиваться и галантный стиль. Вместе с тем некоторые выдающиеся явления этой эпохи не вмещались в рамки барокко (равно как и любого другого художественного стиля). Это в первую очередь относится к творчеству И. С. Баха и Г. Ф. Генделя, а также К. Монтеверди, Г. Шютца, Г. Пёрселла, А. Вивальди, А. Корелли.

Ф. С. Капица, История мировой культуры, 2010

Огюстен Эжен Скриб родился в Париже 24 декабря 1791 года. Окончив коллеж Сент-Барб, он начал изучать право в Сорбонне, но быстро забросил учебу, увлекшись театром. Первые его пьесы остались незамеченными. Успех пришел в 1815 году, когда была поставлена комедия «Ночь национальных гвардейцев», созданная в соавторстве с Ш. Г. Делетр-Пуарсоном. С этой постановки начался почти полувековой путь процветающего автора «хорошо сделанных пьес» – комедий характеров и драмы с остросюжетной интригой. Театральные тексты Скриба чаще всего были коллективными; соавторами его были Жермен Делавинь, Жан-Франсуа Байяр и Эрнест Легуве. Публику привлекали занимательные сюжеты пьес, остроумный язык и, как правило, неожиданные развязки. К числу наиболее удачных его комедий, кроме упомянутых выше, относятся: «Бертран и Ратон, или Искусство заговора» («Обезьяна и кот»), «Дамские войны», «Мечты любви», «Ничто не ново под луной», водевиль «Первый президент» и др. Скриб внимательно изучал среду, о которой писал, понимая, что интересно публике. Он не ограничился только творчеством для драматической сцены. Скриб написал множество сценариев для оперы и балета. На его либретто создавали свои шедевры Дж. Мейербер, Г. Доницетти, В. Беллини, Д. Ф. Э. Обер, Дж. Верди и другие композиторы.

Эжен Скриб, Мавры при Филиппе III, 1860

Система Агриппины Вагановой утверждалась театральной практикой в самые тяжелые для страны годы. И если в 20-е годы XX века важно было сохранить классическое наследие, то в 30-е главной задачей стало уже создание нового, современного репертуара. С 1931 по 1937 гг. Ваганова возглавляла балетный коллектив Академического театра оперы и балета. За это время Вагановой были осуществлены новые редакции балетов «Лебединое озеро» (1933) и «Эсмеральда» (1935), созданы спектакли «Пламя Парижа», «Бахчисарайский фонтан», «Утраченные иллюзии», «Партизанские дни». В этих новых постановках шлифовался исполнительский стиль танцовщиков. Основы этого стиля закладывала хореографическая школа, которую можно смело назвать вагановской.

Софья Бенуа, Галина Уланова. Одинокая богиня балета, 2016

Наши лучшие композиторы уже давно начали интересоваться балетом, отводя ему значительную роль в своих операх. Глинка, Серов, Рубинштейн, затем Римский-Корсаков, Бородин. Но первым большим музыкантом, отдавшим свой талант балету, был Чайковский. Начав также с опер («Евгений Онегин», «Пиковая дама» и другие), где были введены балеты, и подружившись с Петипа, Чайковский решил написать настоящий балет в трех актах и четырех картинах – «Лебединое озеро». Балет этот вначале не имел успеха: публике, привыкшей к музыке старых композиторов – Пуни и Минкуса, – было трудно оценить всю прелесть чудной и поэтичной музыки Чайковского. Она казалась им сложной и недостаточно танцевальной. Затем Чайковский написал еще два балета: «Щелкунчик» и «Спящая красавица», сделавшиеся любимыми балетами конца XIX и начала XX века. Эти балеты были созданы в тесном сотрудничестве Чайковского с Петипа. Веря огромному опыту Петипа, его вкусу и знанию стиля, Чайковский охотно уступал. Петипа же был счастлив, что Чайковский заинтересовался балетом и посвящает ему часть своего творчества. Ряд замечательных балетов написал и Глазунов – «Времена года», «Испытания Дамиса», «Раймонда», – все они поставлены в сотрудничестве с Петипа. После Глазунова начал писать балетную музыку один из талантливейших учеников Римского-Корсакова – Николай Черепнин.

В. Э. Дандре, Анна Павлова. Жизнь и легенда, 1932

Это он, Мамонтов, провел железную дорогу на север, в Архангельск и Мурманск, для выхода к океану, и на юг, к Донецким угольным копям, для соединения их с угольным центром – хотя в то время, когда он начинал это важное культурное дело, над ним смеялись и называли его аферистом и авантюристом. И это он же, Мамонтов, меценатствуя в области оперы и давая артистам ценные указания по вопросам грима, костюма, жеста, даже пения, вообще по вопросам создания сценического образа, дал могучий толчок культуре русского оперного дела: выдвинул Шаляпина, сделал при его посредстве популярным Мусоргского, забракованного многими знатоками, создал в своем театре огромный успех опере Римского-Корсакова «Садко» и содействовал этим пробуждению его творческой энергии и созданию «Царской невесты» и «Салтана», написанных для мамонтовской оперы и впервые здесь исполнявшихся. Здесь же, в его театре, где он показал нам ряд прекрасных оперных постановок своей режиссерской работы, мы впервые увидели вместо прежних ремесленных декораций ряд замечательных созданий кисти Васнецова, Поленова, Серова, Коровина, которые вместе с Репиным, Антокольским и другими лучшими русскими художниками того времени почти выросли и, можно сказать, прожили жизнь в доме и семье Мамонтова. Наконец, кто знает, быть может, без него и великий Врубель не смог бы пробиться вверх – к славе. Ведь его картины были забракованы на Нижегородской всероссийской выставке, и энергичное заступничество Мамонтова не склонило жюри к более сочувственной оценке. Тогда Савва Иванович на собственные средства выстроил целый павильон для Врубеля и выставил в нем его произведения. После этого художник обратил на себя внимание, был многими признан и впоследствии стал знаменитым.

К. С. Станиславский, Не верю! Воспоминания, 2015

Расцвет и всплеск интереса к домашнему театру пришелся на конец XIX – начало XX вв. В литературе сохранилось немало фактов увлечения известных людей домашними театральными постановками. «Летом 1862 года семейство Виардо и Тургеневых жили по соседству в Баден-Бадене. Полина занималась детьми, Луи писал книги по живописи и скульптуре, печатал в газете охотничьи воспоминания. И, конечно же, в доме собирались знаменитости – Брамс, Вагнер, Лист, даже нидерландский король, который пожаловал, чтобы вручить Полине медаль „За искусство". Здесь часто устраивались домашние театральные представления, в которых принимал участие и Тургенев. Полина сочинила комическую оперу про Золушку, Тургенев – пьесу про колдуна».

Е. С. Евдокимова, Семейный театр в детском саду. Совместная деятельность педагогов, родителей и детей. Для работы с детьми 3-7 лет, 2008

В России водевиль появился как жанр, в основе которого лежала комическая опера. Произошло это в начале XIX века. В формирование и развитие русской драматургической школы жанра большой вклад внесли такие писатели и драматурги, как В. Соллогуб, А. Грибоедов, Д. Ленский, П. Федоров, Ф. Кони и др. Известен такой факт, что сам великий поэт Николай Некрасов писал пьесы для маленьких музыкальных комедий под псевдонимом Н. Перепельский.

Илья Кулибин, Говорящие фамилии. Имена и фамилии, ставшие нарицательными и перешедшие в названия, 2018

По М. Браиловскому не все сценические искусства, содержащие слово, противопоказаны кинематографу[14]. Многое сближает его с оперой. Во-первых, потому что в опере роль слова заметно ослаблена другими компонентами и, во-вторых, оперу и кинематограф объединяет «способность обоих видов искусства к (дальше курсив – Л.З.) преимущественному изображению душевной лирики»[15]. Раньше, вспоминает он чуть ниже, стремились «ударить зрителя по нервам»[16] внешними эффектами (падение авто и т. п.). Новый кинематограф, отодвигая подобные средства на второй план, на первое место ставит драматизм внутренних переживаний, что многократно усиливает значение актёра в кино. «Центром тяжести этих пьес будет лирика души и сердца»[17].

Л. А. Зайцева, Становление выразительности в российском дозвуковом кинематографе, 2013

Русская профессиональная музыка, или как ее еще называют, классическая, уже в самом начале своего появления была тесно связана с народной песней. В первых русских операх народные напевы звучали в партиях солистов, ансамблях и хорах, а также в увертюрах – вступлениях к операм. В операх также показывались картины народного быта, народной жизни: свадебные игры, хороводные гуляния. Народные напевы служили также темами вариаций. Они писались для фортепиано, арфы, гитары, скрипки и других распространённых в домашнем быту инструментах. Если в музыкальных произведениях XVIII в. (начало профессиональной музыки) народная песня звучит без изменения, то последующие композиторы создавали свои собственные мелодии, проникнутые народным характером. Таковы произведения основоположника русской музыкальной культуры М. И. Глинки и его современников – А. Алябьева, А. Варламова, А. Гуримова, А. Даргомыжского. Следующее поколение композиторов – М. Балакирев, А. Бородин, Н. Римский-Корсаков, М. Мусоргский – сделало еще больше своего рода «открытий» в области народной музыки. Эти композиторы относились к народной музыке, народной песне творчески, а не как к музейному экспонату. В своих обработках Балакирев и Римский-Корсаков использовали все достижения современной гармонии. И старинная русская песня зазвучала по-новому!

А. А. Гяурский, Забавные рассказы о русской народной музыке и не только о ней (русский фольклор в рассказах для детей)., 2013

Михаил Волконский получил также известность как талантливый и остроумный драматург. Шумный успех имела его пьеса «Принцесса Африканская» (1900) и созданная на ее основе пародийная опера «Вампука, невеста Африканская» (под псевдонимом Анчар Манценилов), поставленная в 1909 году на сцене театра «Кривое зеркало». Яркий след оставил Михаил Николаевич и в журналистике: в 1892–1894 годах он был редактором популярнейшего журнала «Нива», позднее сотрудничал в газете «Новое время» и сатирических журналах «Виттова пляска», «Плювиум», «Продолжение Виттовой пляски». В начале XX века Волконский занялся общественно-политической деятельностью: несколько лет он был активным участником право-монархического движения; в частности, был делегатом III Всероссийского съезда Русских Людей (1906) и председателем петербургского отделения Союза Русского Народа. Скончался князь М. Н. Волконский в революционном Петрограде 13 (26) октября 1917 года после тяжелой болезни. Его творчество в советское время оставалось практически неизвестным широкому читателю. Публикация лучших романов Михаила Николаевича в конце прошлого столетия заново открыла нам замечательного русского автора, умевшего в занимательной форме рассказать о прошлом нашей отчизны.

М. Н. Волконский, Воля судьбы (сборник), -1

Михаил Волконский получил также известность как талантливый и остроумный драматург. Шумный успех имела его пьеса «Принцесса Африканская» (1900) и созданная на ее основе пародийная опера «Вампука, невеста Африканская» (под псевдонимом Анчар Манценилов), поставленная в 1909 году на сцене театра «Кривое зеркало». Яркий след оставил Михаил Николаевич и в журналистике: в 1892–1894 годах он был редактором популярнейшего журнала «Нива», позднее сотрудничал в газете «Новое время» и сатирических журналах «Виттова пляска», «Плювиум», «Продолжение Виттовой пляски». В начале ХХ века Волконский занялся общественно-политической деятельностью: несколько лет он был активным участником право-монархического движения; в частности, был делегатом III Всероссийского съезда Русских Людей (1906) и председателем петербургского отделения Союза Русского Народа. Скончался князь М.Н. Волконский в революционном Петрограде 13 (26) октября 1917 года после тяжелой болезни. Его творчество в советское время оставалось практически неизвестным широкому читателю. Публикация лучших романов Михаила Николаевича в конце прошлого столетия заново открыла нам замечательного русского автора, умевшего в занимательной форме рассказать о прошлом нашей отчизны.

М. Н. Волконский, Кольцо императрицы (сборник), -1

В главном герое должны были обыграть концепт «музыка», причём смена эпох должна была символически отразиться в смене музыкальных стилей. В замке короля звучит классическая музыка, Трубадур играет рок-н-ролл, для чего Геннадий Гладков даже использовал рок оперу «Иисус Христос – суперзвезда». В образах героев звучит пародия на «Песняров», а в образе Осла откровенно изображён солист «Роллинг Стоунз» Мик Джаггер. Портретное сходство разбойников с героями фильма Л. Гайдая подчёркивает родство с природой гайдаевской комедии, которая также носила откровенно сатирический характер и использовала модель музыкального эксцентрического фильма.

Сборник статей, Немецкая литературная классика на русском экране и русская на немецком. Материалы научной конференции 6–7 декабря 2012 года, 2012

От каждой этнической группы что-то добавляется в культурном наследии и развитии города. В музыке, коротких рассказах и больших романах, в операх и опереттах, в больших бродвейских мюзиклах, в театрах, танцах, кино, архитектуре и изобразительном искусстве есть что-то свое, неповторимое, чисто нью-йоркское.

Л. Р. Коробач, Нью-Йорк, 2012

Царевне Наталье Алексеевне приписывают и устройство первого театра в Петербурге, который был общедоступным и бесплатным. Вообще же сведения об этом периоде в истории русского театра очень скудны до самого вступления на престол Анны Иоанновны, когда возобновились постоянные придворные спектакли. К коронации ее приехала итальянская труппа, представлявшая интермедии и балеты, а впоследствии на придворной сцене давались итальянские оперы и немецкие трагедии и оперы. Спектакли эти были исключительно придворной забавой и поэтому не имели никакого значения для русского театра. То же продолжалось и при Елизавете, пока не начались спектакли учеников шляхетного сухопутного корпуса.

А. А. Ярцев, Федор Волков. Его жизнь в связи с историей русской театральной старины, -1

Нужно именно знать, что представлял из себя в то время Дрезден, точнее, дрезденская общественная и – во главе ее – придворная жизнь. Это был явный сколок, хотя и в миниатюре, с жизни и нравов французских начала XVIII столетия, со всеми их блестящими особенностями и исторически известными недостатками. По своему складу дрезденская жизнь ничем не походила на жизнь остальной Германии. Фридрих-Август, курфюрст Саксонский и король Польский, любил роскошь и блеск, шумную жизнь, женщин и искусство, последнее также на подкладке блеска и эффекта, когда не знаешь, где кончается собственно искусство и где начинаются бесцельная роскошь и мотовство. За двором следовало, конечно, и общество, проникнутое той же жаждой наслаждений, французскими вкусами и легкими нравами, какие характеризовали тогдашний Париж. Музыка короля-курфюрста – его опера, его инструментальная капелла – славилась далеко за пределами Германии и привлекала к себе множество иностранных, часто прославленных, артистов перспективами радушного приема, роскошной жизни и блестящего вознаграждения. Нечего и говорить, что большинство таких заезжих артистов было французского происхождения.

С. А. Базунов, Бах. Моцарт. Бетховен, 2015

На каком-то этапе дела ордена пошли на убыль. Но в том 1907 году произойдет то же, что в начале 30-х годов произойдет с товарищем Гитлером и его партией: когда, казалось бы, в делах ожидается полный крах, вдруг появляются некие силы, в буквальном смысле помогающие выйти на новый, более высокий уровень. В 1907-м произошло то, что некоторые исследователи называют «необъяснимым переломом»: к Либенфельсу поступают крупные денежные суммы, а для нужд ордена приобретается замок Верфенштайн. В том же году над замком взвились яркие флаги: на одном был герб нового хозяина, на другом – красная свастика в окружении четырех голубых цветов на золотом поле. С 1908 г. в замке проводятся ежегодные фестивали, причем костюмированные представления сопровождаются мифологическими инсценировками под музыку Вагнера. Гениальный немецкий композитор Вильгельм Рихард Вагнер (1813–1883), кроме знаменитых опер написал ставшую популярной в обществе, исповедующем пангерманизм, брошюру «Еврейство в музыке» (в Российской Империи вышла в 1908 г.). Брошюра явилась следствием поднятого в «Новом музыкальном журнале» («Neue Zeitschrift für Musik») вопроса о «еврейском художественном вкусе», вызвавшем широкую дискуссию. «Настоящее положение вещей этого мира таково, что евреи более, чем уравнены в правах. Они господствуют и будут господствовать, пока за деньгами сохранится сила, перед которой бессильны все наши стремления и дела», – рассудил Рихард Вагнер, и стал еще более мил сердцу каждого истинного арийца.

О. И. Грейгъ, Женщина фюрера, или Как Ева Браун погубила Третий рейх, 2016

В соответствии с моим собственным опытом и сферой интересов основное внимание в этой книге уделено классической драме, классической музыке и опере; из этих же областей взята большая часть примеров. Читатели, в первую очередь интересующиеся популярной музыкой, танцем, пантомимой, акробатикой, престидижитацией и другими видами исполнительского искусства, найдут здесь для себя, по-видимому, не так много полезной информации. Однако, как можно увидеть далее, многие общие принципы (например, связанные с движением и жестом, с использованием сценического пространства, с приемами привлечения внимания, со способами общения с публикой и методами избавления от страха сцены) применимы ко всем видам сценической деятельности.

Гленн Вильсон, Психология артистической деятельности: Таланты и поклонники, -1

Мы не имеем ни времени, ни места останавливаться на выяснении облика Москвы, в ее творчестве литературном и художественно-артистическом, включая в последнее живопись, скульптуру, архитектуру, прикладное искусство, драму и оперу. Хотелось бы выделить здесь только драму, достигшую в Москве необычайных верхов. Что касается оперы, то ее заезжие иностранные знаменитости и местные соловьи заливались по преимуществу на ленинградских подмостках.

А. Л. Волынский, В Большом театре, 1925

Я. Масен считал, что обращение к античности устарело как прием. Это не мешало, однако, античным персонажам появляться на сцене, а античности оставаться одним из источников барочного художества, особенно в Польше, где значительное число драматических сюжетов (примерно десятая часть) заимствовалась из античной истории и мифологии. Украинский и русский театры, в основном, довольствовались отдельными мотивами и часто – только именами античных богов и героев. Правда, на русской сцене была поставлена «Опера об Александре Македонском», где, кроме Александра Великого, действуют его отец, Филипп, и персидский царь Дарий. В основном, античные реминисценции в русских и украинских пьесах существовали изолированно от действия, но они могли сплетаться между собой, создавая на сцене подобие античной мозаики.

Людмила Софронова, Культура сквозь призму поэтики, -1

Эти письма были адресованы к Антенору Жолли, директору театра “Renaissance”, где давались драмы и комические оперы, директору “Оперы” Леону Пилье, издателю Шлезингеру и пр. Вагнер прибыл в Париж в сентябре 1839 года, поселился в одном из самых отдаленных и дешевых кварталов города и тотчас же принялся бегать по Парижу. Письма Мейербера везде принимались самым любезным образом; каждый вечер наш наивный энтузиаст возвращался домой восхищенный, ожидая самого скорого успеха. В “Опере” постановка пьес была особенно роскошна, и Вагнер стал усиленно работать, торопясь окончить “Риенци”, чтобы со своей оперой попасть в этот первоклассный театр. “Ренессанс” тоже открывал самые приятные виды: там обещали поставить его несчастную оперу “Запрещенная любовь”, и водевилисту Дюмерсану уже был заказан перевод либретто оперы. Даже перевод этот удался французу в такой степени, что сам Вагнер, требовательный Вагнер, находил его вполне хорошим. Издатель Шлезингер подавал тоже недурные надежды. Он выхлопотал обещание консерватории исполнить в одном из ее концертов увертюру предпринятой было Вагнером оперы “Фауст”. Словом, это был успех, полнейший успех для неизвестного немецкого композитора, проживающего в Париже всего только 6 месяцев. Да и в самом деле! – в “Ренессансе” будет поставлена его опера, в консерватории, в Парижской консерватории! – будет исполняться его увертюра, а в портфеле еще имеется почти готовая опера “Риенци”, – и Вагнер решил, что пора перебираться с окраины поближе к фешенебельным кварталам: новая квартира была нанята в центре города, на улице Helder.

С. А. Базунов, Рихард Вагнер. Его жизнь и музыкальная деятельность, -1

47. Джузеппе Верди (1813–1901 гг.) – великий итальянский композитор, центральная фигура итальянской оперной школы. Он обладал чувством сцены, темпераментом и безупречным мастерством. В отличие от Вагнера, он не отрицал оперных традиций, а, наоборот, развивал их. Верди преобразовал итальянскую оперу, наполнил ее реализмом, придал ей целостность.

И. В. Блохина, Всё, что должен знать образованный человек, 2016

Как мы помним, еще в начале 30-х годов лично Сталин устроил ему разнос в центральной печати за его антирусские взгляды, однако на Бедного та дискуссия мало повлияла. В итоге в 1936 году он пишет на музыку великого русского композитора А. Бородина оперу «Богатыри», которую режиссер А. Таиров ставит на сцене Камерного театра. О том, что это было за произведение, рассказывает А. Вдовин:

Ф. И. Раззаков, Гибель советского кино. Интриги и споры. 1918-1972, 2008

Композитор Щедрин накопил к тому времени огромное мастерство во всех жанрах. Когда случай или счастливое стечение обстоятельств заставили его обратиться к опере Бизе, тогда все его накопленное мастерство и гений выплеснулись с афористической силой, элегантностью и вкусом в балете. Он сдернул оболочку «привычной музейности» с шедевра французского композитора. Щедрин придал музыке оперы современный блеск, темы засверкали в его инструментовке с обновленной грацией и энергетикой. Словом, шедевр был воссоздан заново. Вот тогда и явилось миру новое содружество, двуединая комета Плисецкая – Щедрин. Это был мир раскрепощенной хореографии, лишенной нафталинного привкуса.

С. И. Гурарий, Азбука легенды. Диалоги с Майей Плисецкой, 2016

В Царском Селе существовал крепостной театр. Граф Варфоломей Толстой на своей домашней сцене предлагал вниманию зрителей преимущественно камерные оперы. Свои впечатления от «Севильского цирюльника» Паизиелло и отечественного «Мельника» Аблесимова Пушкин отразил в двух ранних стихотворениях, вызванных игрою одной из актрис царскосельского мецената.

Л. П. Гроссман, Пушкин, 2011