История мировой культуры (Ф. С. Капица, 2010)

Справочник школьника – современное и самое полное учебное пособие, составленное по действующей базовой программе, утвержденной Министерством образования и науки РФ. Серия составлена и разработана опытными учителями московских школ и преподавателями МГУ им. М. В. Ломоносова. Издание, охватывающее все аспекты школьной программы, предназначено для школьников 4–11 классов, их родителей, учителей и абитуриентов.

Оглавление

Из серии: Новейший справочник школьника (АСТ)

* * *

Приведённый ознакомительный фрагмент книги История мировой культуры (Ф. С. Капица, 2010) предоставлен нашим книжным партнёром — компанией ЛитРес.

Купить и скачать полную версию книги в форматах FB2, ePub, MOBI, TXT, HTML, RTF и других

Б

БАЗИЛИКА (греч. basillike)

Первоначально базиликой назывался дом архонта – правителя в греческом городе-государстве. В Афинах базиликой называли портик на Акрополе, где заседали архонты-басилевсы. В Риме это торговый или судебный зал. По форме базилика – вытянутое, прямоугольное в плане здание, разделенное внутри продольными рядами колонн или столбов на несколько частей (нефов), имевших самостоятельные перекрытия. Средний (главный) неф всегда строился выше боковых, так что верхняя часть его стен, прорезанная окнами, выступает над крышами боковых нефов. Перед выходом из базилики располагался поперечный притвор (или нартекс), а в противоположном конце среднего, наиболее широкого нефа – полукруглый выступ (апсида), крытый полукуполом.

Существовали различные формы базилики, в зависимости от числа и расположения боковых нефов. Одной из них была крестообразная базилика, образованная добавлением к трехнефной базилике поперечного нефа такой же ширины и высоты, как и боковые.

Самой древней римской базиликой считается Порциева базилика, построенная около 184 года до н. э. Среди других выдающихся примеров базиликальной архитектуры можно назвать Эмилиеву базилику (179 г. до н. э.), Юлиеву базилику (12 г. н. э.), Ульпиеву базилику (113 г. н. э.) и Максенциеву базилику (окончена Константином в 315 г. н. э.).

После того как христианство стало главной религией в Древнем Риме, базилика стала одним из основных типов христианских храмов, получив широкое распространение в византийской, сирийской, романской и готической архитектуре. Раннехристианская базилика разделялась внутри 2 рядами колонн на 3 нефа, средний, главный неф включал в себя апсиду, где располагались культовые изображения, позже она стала алтарем.

Однако с течением времени базиликальные конструкции стали малы, поскольку не давали возможности для создания больших внутренних пространств. Одним из выходов стало сочетание крестообразной базилики с куполом, в результате чего и получилась конструкция крестово-купольного храма. Наиболее ярким примером подобной постройки является храм святой Софии в Константинополе.


БАККАРА

Иногда этим словом называют особый стиль изделий из хрусталя, а также и их производство. Название возникло благодаря городу Баккара, где в 1816 году на стекольной мануфактуре Сент-Анн (основанной около 1766 года) и началось производство изделий из тяжелого, абсолютно прозрачного стекла. Однако наибольшая известность пришла к нему во второй половине XIX века, когда там впервые началось изготовление пышных и обильно украшенных дробным гранением сервизов и ваз. Благодаря преломлению на гранях изделия баккара отличаются изысканной игрой света и цвета.

В обиходе словом «баккара» обозначают также хрустальные изделия, поверхность которых образована сочетанием множества плоских граней, дающих причудливую игру света.


БАЛАГАН

Балаганы являлись центром ярмарочных увеселений по всей России. Их дощатые, обклеенные афишами здания возводились в центрах ярмарочных площадей и в городских парках. В зрительном зале устанавливались простые, грубо сколоченные скамейки, перед которыми на небольшой площадке располагался оркестр, состоявший из одного-двух музыкантов. Непосредственно на сцене находилось несколько кресел для особо уважаемой публики. За зрительскими скамьями располагалось несколько огороженных лож, в которых также стояли кресла.

Снаружи балаган всегда украшался, а стены его даже расписывались. К каждому представлению обязательно печаталась большая афиша, в создании которой нередко принимали участие видные художники (Тулуз-Лотрек, например).

Представления в балагане обычно начинались в полдень и заканчивались часов в девять вечера. Каждый спектакль продолжался минут сорок; таким образом, в течение дня он повторялся пять-шесть раз. Репертуар балагана состоял из небольших интермедий, в которых принимали участие два-три актера, а также демонстрировались различные «диковинки». Среди них обязательно была русалка, разговаривающая со зрителями, живая голова на блюде, оживающие покойники, шпагоглотатели, жонглеры и фокусники. С середины XIX века непременными участниками балагана были силачи и борцы.

В подобных заведениях начинали многие впоследствии известные актеры, например В. Дуров. Балаганы описаны во множестве литературных произведений, поскольку авторами интермедий нередко являлись будущие известные писатели, например Н. Некрасов.

Среди живописных изображений выделяются прежде всего картины Б. Кустодиева.


БАЛЕТ – сценическое искусство, основанное на сочетании танца и музыки, или иначе – музыкально-хореографический спектакль, в котором органически сочетаются музыка, танец, драматическое действие и элементы изобразительного искусства.

Корни этого синтетического жанра уходят в глубочайшую древность. Памятники культуры Египта, Греции, Индии и других стран свидетельствуют о важной роли танца в жизни первобытнообщинного и рабовладельческого общества. Однако тогда это искусство существовало лишь как компонент определенных ритуальных церемоний.

Как самостоятельный вид искусства балет стал существовать лишь в эпоху Возрождения в Италии. Небольшие мимические и танцевальные сцены входили в состав маскарадов, шествий, пиров и даже турниров. В то время в них включались народные танцы с незамысловатой хореографией.

Только в эпоху классицизма, когда народные танцы стали «приспосабливать» к вкусам аристократии, бытовавшим при дворе короля Людовика XIV, сложились основные особенности балетной хореографии. Это произошло во Франции, поэтому именно эту страну считают родиной классического балета.

В конце XVII века балет был уже официально признан как одна из форм искусства. Чтобы содействовать его развитию, в 1661 году была основана французская королевская академия танца. Вначале в ней готовили танцовщиц для выступлений в дворцовом театре. В то время балет был составной частью «галантных» придворных увеселений (оперы-балеты Люлли, Рамо, комедии-балеты Мольера и т. п.).

На первых порах балет представлял собой массовый женский танец, исполнявшийся под музыку струнных инструментов. Он носил вспомогательный характер и входил отдельными эпизодами в драматические или оперные спектакли. Балетные представления были короткими и напоминали небольшие интермедии, необходимые прежде всего для иллюстрации музыки. Обычно они ставились между вторым и третьим актами оперы.

В ходе развития балетное искусство отразило черты последующих стилистических течений – классицизма, романтизма и модернизма. Постепенно балет становился более содержательным, совершенствовались жесты и движения, придумывались новые. Однако балет еще долго продолжали воспринимать как вспомогательный танец, а не как некое самостоятельное целое, со своими законами и образным рядом. От музыки требовался лишь удобный для танца ритм, поэтому до начала XIX века и не было создано сколько-нибудь значительных в музыкальном отношении произведений.

Практически одновременно с реформацией балета стала развиваться и хореография – приемы балетного танца. Традиционный, или классический, балет придерживался строгих правил и традиций. Существуют стандартные позиции для рук, ног и кистей, а также специальная техника сценического движения, которая обуславливает медленное и плавное перемещение актеров. В балетном театре впервые появляется балетмейстер-постановщик, создающий хореографическую драматургию спектакля. Необходимо назвать имена первых профессиональных балетмейстеров: Ф. Хельфердинк, Жан Жорж Новер (XVIII век).

Новая ступень в развитии балета наступила в первой половине XIX века, когда на многих балетных сценах мира работали такие известные хореографы, как Ш. Дидло, ставивший балеты на музыку А. Адана, Л. Делиба и других композиторов того времени.

Большую роль в развитии жанра сыграл романтический балет XIX века с его сказочными, фантастическими сюжетами и главенствующей ролью женских образов («Жизель» А. Адана, «Коппелия», «Фадетта» Л. Делиба и др.). Мужских ролей в то время еще не было, танцоры-мужчины использовались лишь для поддержек и мимических движений. Основу хореографии составляли женские характерные танцы.

Вторая половина XIX века и особенно начало XX века по праву считаются «золотым веком» русского балета. Крупнейшие композиторы – П. И. Чайковский, Ц. А. Кюи, А. П. Глазунов – создают жанр симфонического балета. Подлинный переворот был совершен П. И. Чайковским, написавшим три гениальных балета – «Лебединое озеро» (1876), «Спящая красавица» (1889) и «Щелкунчик» (1892). После этого к балету стали относиться как к искусству. Чайковскому удалось сделать балет драматическим произведением, в котором перед глазами зрителей не только проходит удивительная жизнь его героев, но и совершаются разнообразные удивительные превращения.

Сложная драматическая музыка получила интересное хореографическое воплощение благодаря работе таких балетмейстеров, как М. И. Петипа и М. М. Фокин. Они создали так называемый психологический танец, раскрывающий всю глубину переживаний героев. Мужской танец впервые становится равноправным компонентом постановки. Однако как самостоятельный вид хореографии он сложился лишь в начале XX века. О том, как выглядели представления того времени, мы можем судить по сохранившимся записям хореографии танцев. Благодаря им современные зрители могут увидеть постановки выдающихся балетмейстеров – М. И. Петипа, М. М. Фокина, Д. Баланчина.

Во всем мире не сходят со сцены балеты А П. Глазунова («Раймонда»), И. Ф. Стравинского («Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная»), С. С. Прокофьева («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Каменный цветок»), Д. Д. Шостаковича, А И. Хачатуряна, К. Караева и др.

Поговорим теперь о тех, кто создает балетный спектакль. В современном балете очень велика роль балетмейстера. Обычно он является и постановщиком, и режиссером спектакля. Балетмейстер не только продумывает драматургию спектакля, но и ставит каждое движение актеров. Он должен представлять, как будет выглядеть будущий балет, как музыка, декорации, костюмы и танец объединятся в цельный образ. Главное для него – создать не просто красивый или увлекательный спектакль, но и динамичное повествование.

Среди величайших балетмейстеров всех времен и народов – французы Шарль Дидло, Морис Петипа (XIX век); русские Джордж Баланчин, Михаил Фокин, Леонид Лавровский (первая половина XX века), француз Морис Бежар, русские Леонид Якобсон, Борис Эйфман, Олег Виноградов, Юрий Григорович, Владимир Васильев (вторая половина XX века).

Конечно, особую роль в осуществлении замыслов играют и актеры. Не случайно говорят о русской или французской школе балета. Любопытно, что их синтез (французского мастерства и русской музыки, исполнительского мастерства) произошел в начале XX века и связан с именем балерины Анны Павловой (1881–1931). Солистка Мариинского театра, Павлова в 1909 году участвовала в «Русских сезонах» С. Дягилева, а потом с собственной труппой гастролировала по всему миру, выступая в главных партиях классического репертуара. Но прославилась она прежде всего исполнением сольной партии в хореографическом этюде «Умирающий лебедь» на музыку К. Сен-Санса.

Среди других великих русских балерин XX века нужно назвать Т. Карсавину, Г. Уланову, М. Плисецкую, Е. Максимову.

Остановимся теперь на видах балета. В классическом балете музыка исполняется только оркестром, тщательно продумывается сценарий и создаются великолепные костюмы. Часто в балете рассказывается какая-либо история, но сами танцующие не говорят ни единого слова. Они «показывают» историю с помощью мимики (особых жестов), а также используя пластику своих тел. Это так называемая драматургия балета.

Современный балет по внешнему виду существенно отличается от классического. Прежде всего, он предполагает более свободные, современные движения, больше всего похожие на танцевальные па. Шаги в современном балете не определяются заранее, возможна их импровизация. Иногда вместо того, чтобы представлять какую-либо историю, танцоры просто движутся в соответствии с мелодией, какой-то темой или даже подчиняясь собственному настроению. Гораздо большее значение в современном балете имеют и сценические эффекты.

Среди разновидностей балета XX века можно отметить балет на льду, балет-ораторию, фильм-балет, оперу-балет, рок-балет.

Любопытно, что сегодня уже не балет приспосабливается для заполнения пауз в спектакле, а музыка симфоний, опер и других сочинений становится основой для создания балетов.


БАЛЛАДА

Вначале слово «баллада» означало танцевальную песенку. Постепенно его значение менялось, но основной смысл, происходящий от итальянского глагола ballare – плясать, сохранялся.

Первым превращением танцевальной песенки было небольшое лирическое стихотворение. Четкий ритм танца хорошо согласовывался с поэтической рифмой. Постепенно это стихотворение обрело форму поэтического рассказа о каком-либо романтическом событии. Героями его часто становились народные герои – Робин Гуд, Роланд, Сид. При этом повествование об их подвигах нередко соединялось с вымыслом. Главным же качеством стихотворных баллад, обеспечившим их популярность практически во всей Европе, стало то, что они всегда учили слушателей доброте и мужеству.

Баллады сочинялись как безымянными авторами, так и профессиональными стихотворцами. Однако судьба их часто была одна и та же – они рассказывались на деревенских посиделках, как другие подобные им истории, сочиненные неизвестными авторами и позднее дополнявшиеся новыми деталями.

Другая жизнь баллад была связана с их музыкальной интерпретацией, когда их сюжет становился основой музыкального произведения и на простую и безыскусную музыку придумывались новые слова. Так появились не только лирические, но и героические, сатирические и шуточные баллады. Они стали одним из основных жанров народной поэзии в Англии, Шотландии и Германии.

В начале XVIII века была предпринята интересная попытка использования баллады в опере. Английские композиторы Дж. Гей и Дж. Пепуш написали «Оперу нищих» (1728). Вместо оперных арий в ней использовались обыкновенные баллады.

Только в эпоху романтизма, впервые отразившего интересы простого человека, баллада обрела вторую жизнь. Практически все композиторы-романтики обращались к средневековым балладам («Лесной царь» Ф. Шуберта, «Ночной смотр» М. И. Глинки). Ф. Шопен создал жанр баллады для фортепиано. Его «Четыре баллады» – своеобразный рассказ о героических событиях прошлого.

В искусстве XX века жанр баллады представлен сочинениями С. С. Прокофьева «Баллада о мальчике» (1942), а также оригинальной оперой-балладой М. Слонимского «Мария Стюарт». В ней композитор попытался совместить мелодии традиционной оперы со старинными и современными бардовскими балладами.

Старинное искусство баллады возродилось в мелодиях раннего джаза на рубеже XIX–XX веков. Это произошло в Америке, когда объединились старая европейская баллада, песни американских индейцев и африканских негров. Под влиянием мелодики баллад сложился и стиль многих ансамблей рок-музыки, например «Битлз».

В русской культуре традиции баллады получили развитие в авторской песне, ставшей популярной с середины 50-х годов. И это не случайно. Баллада – один из самых информативных и вместе с тем исповедальных жанров фольклора. Все эти качества сохранились и в авторской песне, повествующей о событиях сегодняшнего дня.


БАПТИСТЕРИЙ (греч. бапио – погружаться)

Вначале баптистерием назывался бассейн с прохладной водой, устраиваемый в римских термах. С появлением христианства, в догматику которого входило таинство крещения, заключавшееся в ритуальном погружении в освященную воду, баптистерием стали называть ту часть храма, где обычно происходил этот обряд. Обычно она располагалась слева от входа, в специальной пристройке. Начиная с IV в. н. э., с развитием христианской религии, это название закрепилось за храмами, построенными в честь Иоанна Крестителя, поскольку они прежде всего и предназначались для совершения этого обряда. В отличие от базилики, имевшей продолговатую форму, баптистерий строился как круглое или многогранное здание. Наиболее значительные баптистерии V века сохранились в Равенне (Италия).


БАРАБАН

Среди ударных музыкальных инструментов барабан не только самый древний, но и, пожалуй, самый громкий, поскольку высота его звука зависит лишь от силы удара.

Ударные звуки являются древнейшим способом музыкального сопровождения самых различных видов человеческой деятельности. Они позволяют организовать согласованные движения многих людей, что необходимо при ходьбе, танце, ритуальных действиях. Инструменты, аналогичные барабану, есть практически у каждого народа. Устройство их очень похоже, различен лишь материал для корпуса. Мембраной почти всегда служит выделанная шкура животного. Играют на барабане руками, палочками или специальной колотушкой.

Первые инструменты подобного рода были известны еще в глубокой древности. В Европу большой барабан пришел с Востока. Видимо, отсюда происходит его наименование – турецкий. Он широко используется в оркестрах, как духовых, так и симфонических. В симфонический оркестр этот инструмент вошел в конце XVIII в. (впервые в опере В. А. Моцарта «Похищение из сераля»). Здесь он занимает среднее положение между партией тарелок и тамтамом.

В современном оркестре используются две разновидности барабана – большой и малый. Большой барабан (итал. gran cassa) представляет собой цилиндрическую раму, на которую с двух сторон натянута кожа. В последнее время часто встречается большой барабан в виде узкого обода, затянутого кожей с одной стороны. При игре барабан находится на специальной подставке, а исполнитель ударяет по натянутой коже деревянной колотушкой с шарообразным наконечником из войлока или резины; извлекаемый при этом звук получается низким и глухим. Иногда с одной стороны около кожи натягивают струны, придающие звуку дребезжащий оттенок.

На малом барабане играют палочками. Игра сводится к трем приемам: простой удар, двойной и дробь; соединение их позволяет достигать исключительной ритмической четкости при острой и резкой звучности. Поэтому малые барабаны используют для того, чтобы подчеркнуть ритм исполняемого произведения.


БАРБИЗОНЦЫ

Свое название эта группа французских мастеров реалистического пейзажа получила от деревни Барбизон, находившейся близ леса Фонтенбло неподалеку от Парижа. Это было в 50-е годы XIX века. Художники приезжали туда, чтобы писать этюды с натуры, а заканчивали картины в мастерской. Отсюда происходит четкость и законченность композиции и некоторая обобщенность в колорите. Основными ее лидерами считались Ж. Милле (1814–1875), Т. Руссо (1812–1867) и Е. Диас (1807–1876). Опираясь на традиции голландских пейзажистов XVII в., они видели свою задачу в том, чтобы правдиво, просто и непритязательно изобразить повседневную жизнь крестьян. Поэтому предметом изображения становились леса, реки, луга с пасущимися стадами, скромные жилища сельских тружеников. При этом тщательно прорабатывалось расположение предметов на плоскости для достижения максимальной близости к натуре. Художники стремились к тщательной передаче цветового богатства и воздушной среды, при сохранении материальности и вещественности увиденного. Для живописи Ш. Добиньи (1817–1878) характерна спокойная, светлая палитра: тихие реки, широкие долины, высокие травы. Не случайно, что именно умение передавать световые и цветовые нюансы, методику тональной живописи восприняли у барбизонцев их последователи в изображении природы – импрессионисты.

Полагают, что именно барбизонцы утвердили реализм во французской живописи. Ведь они призывали художников писать с натуры и сами внимательно изучали природу. В целом творчество барбизонцев явилось значительным этапом развития реалистического пейзажа в европейском искусстве XIX века. Кроме того, в своих произведениях они прославили человека труда (например, в картинах Ж. Милле «Собирательницы колосьев», «Анжелюс»).

Барбизонцы повлияли на развитие реалистического пейзажа как во Франции, так и в других европейских странах. Так, их влияние заметно в творчестве знаменитого французского пейзажиста Камилла Коро (1796–1875), а также и русских художников – А. Боголюбова, А. Саврасова, Ф. Васильева.


БАРД (от англ. и ирл. bard – певец)

Бардами еще в начале нашей эры называли народных поэтов – певцов и сказителей в кельтских племенах. В средние века положение бардов изменилось – они стали профессиональными поэтами и певцами при княжеских дворах в Англии, Шотландии и Уэльсе. За многие века барды накопили огромный репертуар. Его составляли старинные сказания, а также песни различных жанров: героические, сатирические, лирические и боевые. Большинство их имело форму баллады, сочетая песенные и повествовательные элементы. Исполнение осуществлялось под музыкальное сопровождение на лире, круите (щипковый или смычковый инструмент), а позже на трехструнном тилинке.

Барды всегда отличались независимостью взглядов и в своих песнях принимали сторону угнетенных и гонимых. Это нередко вызывало недовольство со стороны властей и приносило им всенародную известность. Многие песни, сочиненные бардами, стали народными и продолжали жить и после того, как сами барды исчезли.

Традиции бардов продолжили поэты-романтики в начале XIX века. Они собрали и опубликовали тексты их песен, использовали их образы и сюжеты в своем творчестве. К романтикам восходит и распространенное сегодня наименование бардами создателей авторской песни (см. Авторская песня).


БАРИТОН

Так называют один из мужских певческих голосов – средний между басом и тенором. По-гречески barytonos означает «тяжелозвучный». Он такой же сильный, значительный и величественный, как бас, и в то же время звонкий и подвижный, как тенор. Различают две основные разновидности баритона: лирический (для такого голоса написаны, например, партии Онегина в опере П. И. Чайковского «Евгений Онегин», Валентина в опере Ш. Гуно «Фауст») и драматический (Алеко в опере С. В. Рахманинова «Алеко», Риголетто в одноименной опере Дж. Верди). Среди обладателей этого удивительного голоса – Г. Отс, П. Лисициан, Д. Фишер-Дискау.

Второе значение связано с двумя инструментами с весьма низкой тесситурой (характером звучания) – старинным струнным смычковым инструментом овальной формы (нечто среднее между виолончелью и контрабасом) и духовым. Струнный баритон уже вышел из употребления, а духовой – труба с низким тоном – используется в духовом оркестре как солирующий и аккомпанирующий инструмент.


БАРКАРОЛА (от итал. barca – лодка, rollare – качать)

В названии этого музыкального жанра легко угадать его происхождение – песнь рыбака, гребца, лодочника.

Действительно, первоначально баркаролами называли песни, которые еще в XVII веке пели венецианские гондольеры. Плавно раскачиваясь от мерных ударов длинного весла, гондола медленно скользила по венецианским каналам. Ритм баркаролы и отражает это неторопливое движение. Ее мелодия обычно очень проста, незатейлива, сюжет тоже простой – о любви, о природе, о красоте окружающего мира. Главное – выразить чувства поющего.

В XVIII веке баркарола мало использовалась в профессиональной музыке. Зато в XIX веке ее активно использовали композиторы-романтики, обращавшиеся к народной музыке. Появляются не только вокальные, но и инструментальные пьесы с таким названием. Они имеют спокойный певучий характер, для их тактового размера типичен ритм аккомпанемента, подражающий мерно покачивающейся лодке или ударам весел. Известны баркаролы для фортепиано Ф. Шопена. П. И. Чайковский также использовал эту мелодию для одной из частей цикла «Времена года».


БАРОККО

Так называется один из главных стилей в искусстве, архитектуре, литературе и музыке европейских стран XVI – середины XVIII века. Название происходит от итальянского слова barocco – причудливый, странный.

Если в эпоху Возрождения искусство воспевало мощь и красоту человека, то на рубеже XVI–XVII веков эти идеи уступили место размышлениям о сложности и несовершенстве общественных отношений, мыслям о разъединенности людей. Подобные идеи были выдвинуты самой жизнью: именно в эту эпоху сильно обострился конфликт между личностью и обществом. Поэтому главной задачей искусства стало отражение внутреннего мира человека, раскрытие его чувств, переживаний. Так определились основные черты барокко – драматическая патетика, склонность к заостренным контрастам, динамичность, порой преувеличенная экспрессия, смятенность эмоций, и словно в противовес этому – уход от насущных проблем, тяготение к фантастике, пышности, а нередко к преувеличенной декоративности.

Время утверждения стиля барокко – эпоха интенсивного образования европейских государств. Поэтому для искусства барокко характерны грандиозность, пышность, динамика, пристрастие к различного рода эффектам, яркая зрелищность. Постройки обязательно украшались причудливыми фасадами, форма которых скрывалась за украшениями.

Парадные интерьеры также приобрели разнообразные формы, причудливость которых подчеркивалась скульптурой, лепкой, различными орнаментами. Комнаты нередко теряли привычную для глаза прямоугольную форму. Зеркала и росписи расширяли истинные размеры помещений, а красочные плафоны создавали иллюзию отсутствия крыши. Даже окна и картины нередко изменяли свои прямоугольные очертания в угоду фантазии художника.

В различных странах Европы проявления этого стиля отличались своими особенностями. Например, в Нидерландах это были картины П. П. Рубенса, где мифологические сюжеты переданы с огромной экспрессией и преувеличенной яркостью чувств и красок, а в Италии – сложные, прихотливо скомпонованные плафоны и картины Пьетро ди Кортоны, рассматривая которые даже не сразу угадаешь, где кончается картина и начинается стена. Во Франции барокко проявилось прежде всего в планировке дворцовых интерьеров. Оно превратилось в так называемый «большой стиль» и уже в конце XVII века уступило место классицизму.

Русское барокко, расцвет которого приходится на первую половину XVIII века, также обладало неповторимыми особенностями. В частности, церкви этого времени благодаря многоярусным колоннам, широким лестницам, различным пристройкам начинают походить на дворцы. Русское барокко характеризуется придворной пышностью – перегруженностью причудливыми деталями, переходящей границы разумного. По имени князей Нарышкиных, во владениях которых появились оригинальные и самобытные барочные постройки, этот стиль принято называть «нарышкинским барокко».

Влияние барокко проявилось и в других видах искусства – в поэзии и музыке, в том числе драме, лирике и опере. Использование мифологических и исторических сюжетов привело к появлению повышенного интереса к истории античности. Как в Италии, так и в других странах, в первую очередь в Англии и Франции, стали возникать собрания произведений античного искусства. В различные районы Греции и Малой Азии отправлялись научные экспедиции, в результате которых были собраны многие произведения искусства.

Эпоха барокко дала миру выдающихся писателей, художников, архитекторов, создавших поистине классические творения. Однако ни один вид искусства не мог сравниться с музыкой по дерзновенной силе и глубинному новаторству. Зарождение оперы, кантаты, оратории, интенсивное развитие инструментальной музыки (фуга, concerto grosso, ансамблевая и сольная сонаты) – все это свидетельствовало о начале новой эпохи в истории музыкального искусства. В XVII – начале XVIII века черты барокко ярче всего проявились в музыкальном искусстве Италии и Германии. Во Франции в это же время сложился классицизм. С начала XVIII века в Европе параллельно с искусством барокко стал развиваться и галантный стиль. Вместе с тем некоторые выдающиеся явления этой эпохи не вмещались в рамки барокко (равно как и любого другого художественного стиля). Это в первую очередь относится к творчеству И. С. Баха и Г. Ф. Генделя, а также К. Монтеверди, Г. Шютца, Г. Пёрселла, А. Вивальди, А. Корелли.


БАС (от итал. basso – низкий)

Этим понятием обозначают низкий по звучанию мужской голос. Принято разделять басы на глубокий (бас профундо) и певучий (бас кантанте).

Басовые голоса используются композиторами с древних времен до наших дней. Басовая партия является главной во многих церковных песнопениях и сочинениях для хора.

В оперном искусстве также известно большое число басовых партий. Для баса профундо написана, например, партия Кончака в опере А. П. Бородина «Князь Игорь».

Бас кантанте отличается тем, что у него особенно сочно звучат верхние ноты. Для такого голоса написана партия Мельника в опере А. С. Даргомыжского «Русалка». Среди обладателей этого величественного и торжественного голоса были Ф. Шаляпин, М. Михайлов, А. и С. Пироговы, М. Рейзен, Е. Нестеренко, А. Огнивцев, Н. Гяуров.

Как и баритоном, басом также называют и применяемый в духовых оркестрах медный духовой инструмент, по регистру приблизительно соответствующий тубе.

Третье значение слова связано с обозначением самого низкого звука аккорда. Четвертое – с нижним голосом в многоголосной музыке.


БАТАЛЬНЫЙ ЖАНР (франц. bataille – битва, сражение) – область изобразительного искусства (преимущественно живописи), посвященная военной тематике, включающая главным образом изображения битв, а также других эпизодов войны.

Батальный жанр может рассматриваться как составная часть исторического жанра, поскольку запечатлевает значительные события в жизни человечества. С другой стороны, он сближается и с бытовым жанром, поскольку его составляющей является изображение и повседневной военной жизни.

Основная идея произведений батального характера заключается как в прославлении и воспевании воинской доблести, народного героизма, так и в протесте против войн и гибели людей.

Изображения войн и походов известны в искусстве еще с древнейших времен. Произведения аллегорического и символического характера, главным героем которых был полководец-победитель, были широко распространены еще в искусстве Древнего Востока (особенно Ассирии) и Древнего Рима. Они воплощались в таких жанровых формах, как рельефы, вазопись, фронтоны и фризы храмов, триумфальные арки и колонны.

В средневековом искусстве батальные сцены встречаются в европейской и восточной книжной миниатюре, главным образом как иллюстрации к средневековым хроникам, летописям («Лицевой летописный свод», Москва, XVI век). Известны изображения сражений на иконах, тканях, гобеленах («Ковер из Байё»). Многочисленны и очень выразительны батальные сцены в рельефах Китая и Кампучии, индийских росписях, японской живописи.

Художников Возрождения увлекала в батальном жанре его драматическая сторона – напряжение яростной схватки, передача эмоций борьбы (классические образцы – «Битва при Ангъяри» Леонардо да Винчи (1503–1506), картон Микеланджело «Битва при Кашине» (1504–1506). Точность изображаемого не имела значения, главным была выразительная композиция и тщательная прорисовка действующих лиц.

С середины XVII в. развивается документально-хроникальный тип батального жанра. Эпизоды сражений отражаются более или менее точно, но все выглядит несколько статично: сражающиеся как бы специально позируют художнику (например, живопись голландца Ф. Вауэрмана, приверженца изображения кавалерийских стычек, эпизодов военного быта). Более динамичны картины фламандца П. Рубенса. Свою дань этому жанру отдал и испанец Д. Веласкес – «Сдача Бреды» (1634). Одновременно формируются принципы условно-аллегорической композиции, где в центре находится фигура полководца, представленного на фоне битвы (француз Ш. Лебрен).

В XVIII веке под влиянием Войны за независимость складывается батальный жанр и в американской живописи (Б. Уэст, Дж. Колли, Дж. Трамбалл). Появляются батальные произведения и в русской живописи – картины «Куликовское поле» и «Полтавская битва», приписываемые Н. Никитину, гравюры А. Зубова, мозаика мастерской М. Ломоносова «Полтавская битва» (1762–1764).

Особое влияние на проблематику и развитие отдельных художественных принципов батальной живописи оказали Великая французская революция (1789–1794) и наполеоновские войны. Они нашли отражение в творчестве французов А. Гро, Т. Жерико, испанца Ф. Гойи («Ужасы войны»). Большие и яркие полотна француза Э. Делакруа (1798–1863) наполнены романтической идеей борьбы за свободу и вместе с тем достаточно точны в деталях.

Русская академическая батальная живопись с начала XIX века стремилась к большой документальной точности общей картины и тщательной проработке деталей. Развивалось и искусство морской батальной картины (И. Айвазовский, А. Боголюбов), появляется батально-бытовая живопись (В. Поленов). Одним из первых суровые будни войны и страдания простых людей показал В. Верещагин. Свой гимн подвигам народа спел и В. Суриков. Параллельно с В. Васнецовым он разрабатывал и темы героического исторического прошлого России. В это же время создает свои батальные панорамы Ф. Рубо. Реализм и отказ от условных схем в изображении войны присущи и передвижникам.

Батальный жанр XX века определяют две традиции. С одной стороны, господство идей милитаризма и соответственно прославление фашизма. Но многие художники открыто выступали против войн и насилия. Своеобразным символом этих настроений служит «Герника» (1937) П. Пикассо. Громадное полотно длиной 28 метров, выдержанное в основном в белых, серых и черных тонах, стало символом бесчеловечного разрушения и призывом прекратить кровавую бойню.

Русская живопись XX века отразила сложный период развития своего государства, среди мастеров батального жанра можно отметить прежде всего М. Грекова, ставшего наиболее крупным продолжателем традиций русской баталистики ХГХ века.

Одной из разновидностей батальной картины является «кордегардия», возникшая в голландской живописи XVII века. Она сочетает черты портретного и батального жанров, поскольку представляет собой групповой портрет, написанный на батальном или бытовом фоне. Такие картины обычно были заказными, на них изображались офицеры или солдаты какого-либо подразделения в служебной обстановке. Одним из классических образцов этого жанра считается полотно Рембрандта «Ночной дозор».


БАУХАУЗ (см. также Архитектура, Рационализм, Функционализм)

Пожалуй, это самая известная архитектурная школа, а также школа дизайна и композиции нашего времени. Она оказала неоценимое воздействие на способы и содержание обучения в художественных школах всего мира.

Название школы – Bauhaus (Hochschule) – расшифровывается очень просто: Высшая школа строительства и художественного конструирования. Она была основана в 1919 году в Веймаре (Германия) архитектором В. Гропиусом. В 1925 году школа переместилась в Дессау, а затем в Берлин, где просуществовала до 1933 года, когда была упразднена фашистами.

Главным принципом, воплощенным в Баухаузе, был функционализм, что находило отражение в практическом предназначении всего создаваемого в производственных, художественных и проектных мастерских. Это были типовые проекты жилых домов, образцы промышленной продукции (главным образом мебель, ткани, лампы), произведений декоративной живописи и пластики. Классическим примером иллюстрации идей школы может служить само здание Баухауза в Дессау (архитектор В. Гропиус, 1925–1926).

Одновременно руководители Баухауза стремились соединить в единое целое материал, функциональное назначение и эстетические свойства предмета, учили студентов пользоваться новыми материалами и конструкциями (железобетоном, стеклом). Так, Моррис пытался решать многие поставленные проблемы в условиях современного машинного производства. Среди других учителей были В. Кандинский, П. Клее, Л. Фейнинггер.

Баухауз сыграл прогрессивную и важную роль в утверждении принципов рационализма в мировой архитектуре XX века и в становлении современного художественного конструирования. Однако ряд его проектов остался на уровне экспериментов или приобрел характер формотворчества.

Особое влияние на распространение принципов функционализма оказало творчество француза Шарля Эдуарда Жаннере, больше известного под именем Ле Корбюзье (1887–1965), и его «пять принципов»: дом на столбах, сад на плоской крыше, свободная планировка интерьера, горизонтально-протяженные окна, свободная композиция фасада.


БАШНЯ

Башня принадлежит к числу древнейших архитектурных сооружений, созданных человеком. Ее форма была заимствована у самой природы и продиктована чисто практическими соображениями. Еще в глубокой древности было замечено, что защищаться от врагов легче, имея преимущество в высоте. Но первые башни имели не только оборонительное, но и важное сакральное значение, поскольку, поднимаясь на нее, человек приближался к богу. По этой же причине и колокольня, являющаяся непременной частью храмов в различных религиях, имеет башнеобразную форму.

Размеры, форма и величина башен зависели от их предназначения. Различают сторожевые башни, часовые башни, башни для астрологических наблюдений, замковые башни (донжоны), культовые башни (колокольни, минареты), башни гражданского назначения (маяки, административные башни – ратуши).

Маяки, сооружавшиеся еще в античные времена, представляли собой высокие башни с рядом внутренних помещений и несколькими площадками для разжигания костров. Так был устроен, например, известный маяк на острове Фарос близ Александрии. В его верхнем этаже по ночам горел костер. В наши дни продолжает действовать 41-метровый маяк в Бригантин (современный город Ла-Корунья, северо-западная часть Испании), построенный Сервием Лупусом около 100 года.

Распространена была и так называемая башня ветров с водяными и солнечными часами. Она появилась как часть укреплений еще во времена греческих и римских городов, а потом стала составляющей городской ратуши.

В поздний античный период башни использовались в основном как военные склады. Римские сторожевые башни вдоль пограничной линии первоначально строились из дерева, позднее – из камня. В плане сторожевая башня представляла собой квадрат с длиной стороны от 2,5 до 6 метров. Сторожевые башни достигали в высоту 8 метров и, как правило, окружались глубокими рвами.

В позднеримское время сооружались и сторожевые башни большего размера, которые устанавливались на особенно угрожаемых участках границы, в частности на излучине Дуная, в районе Железных ворот.

Интересно, что правительственные резиденции, возводимые в виде замка-крепости или кремля, имели замкнутую систему башен. Среди них центральное место занимал донжон – отдельно стоявшая главная башня замка, круглая или четырехугольная в плане. При захвате замка она становилась последним убежищем его защитников. Именно так в конце XI века был возведен Тауэр – замок-крепость в Лондоне, одна из королевских резиденций, ставший позднее тюрьмой, а сегодня – просто историческим местом.

Башенная архитектура представлена и в древнейших культурах Америки. В некоторых частях Южных Анд, особенно в районе озера Титикака, сохранились цилиндрические или прямоугольные погребальные башни из камня или сырцового кирпича, которые называются чульпа.


БЕЛЬКАНТО

Этим термином, возникшим от итальянского сочетания bel canto – прекрасное пение – обозначают особую виртуозную манеру пения.

Бельканто, уходящее корнями в народную певческую культуру, получило широкое развитие начиная с XVII века, когда стала развиваться опера. После многовекового господства хорового пения стали утверждаться новые одноголосные формы вокальной музыки (арии, ариозо и т. д.), дававшие певцу-солисту широкие возможности для выявления индивидуальных достоинств голоса.

Выразительный стиль, необходимый для передачи драматургии образа, постепенно превратился в виртуозное искусство. Главнейшие его особенности – владение всеми регистрами голоса, чистота и ровность звучания и тембра, филигранная техника дыхания. Для достижения совершенства, необходимого, чтобы исполнять труднейшие арии, нужно было не только знание секретов мастерства, но и длительные упражнения.

Уже в начале прошлого века в Италии сложилась уникальная система обучения певцов, основанная на максимальном развитии данных им природой способностей. В результате многолетних (6–9 лет) упражнений и появлялись те уникальные певцы, которые вызывали восхищение и восторг меломанов всего мира.

Любопытно, что для особо виртуозного исполнения использовали певцов-кастратов. Вследствие проведенной в раннем детстве операции голос с возрастом не ломался и сохранял мальчишескую чистоту и звонкость. Таких певцов использовали в итальянской церковной музыке и оперном искусстве.

В ходе истории стиль бельканто претерпевал некоторые изменения. Однако на разных этапах развития итальянской оперы (от А. Скарлатти до Дж. Пуччини) он сохранял свои типичные черты и оказывал глубокое влияние на формирование вокальных школ многих народов. Только в середине XIX века понятие «бельканто» потеряло первоначальный смысл. В наше время под ним подразумевают распевность, мелодичность вокального исполнения. Таким образом, к мастерам бельканто относятся все лучшие певцы и певицы мира: Ф. Шаляпин и М. Каллас, Э. Карузо и А. Нежданова, Б. Христов и Р. Тебальди, П. Лисициан и И. Архипова, Т. Синявская и М. Магомаев.


БИБЛИОТЕКА

Обычно предполагают, что в библиотеке только хранятся рукописи, книги и журналы. Да, это действительно так. Во многих странах приняты законы, согласно которым все книгоиздательства обязаны предоставлять в библиотеку так называемые обязательные экземпляры своей продукции. В России этот порядок был введен специальным указом Петра I. Поэтому национальные библиотеки часто являются крупнейшими хранилищами, где собранные за много столетий книги отражают историю развития книгоиздания в данной стране.

В России книги вначале направлялись в библиотеку Академии наук, а затем в Императорскую публичную библиотеку. В настоящее время они посылаются в Российскую государственную библиотеку. Кроме нее, существует специальное учреждение, где также хранятся все вышедшие в стране книги. Это Государственная книжная палата. Она ежегодно издает справочники, отражающие всю вышедшую из печати литературу по различным темам.

Однако библиотека – это не только крупнейшее собрание различного рода печатной продукции, но и огромный механизм, предназначенный для хранения, реставрации и изучения находящихся в ней материалов.

Наряду с библиотеками общего назначения существуют и специализированные хранилища. Там хранятся и подбираются издания по определенным отраслям знаний (медицине, технике, искусству) или подбираются определенные типы литературы (ноты, плакаты, грампластинки).


БИБЛИЯ

Христианская Библия состоит из двух частей – Ветхого завета и Нового завета. Книги Ветхого завета писались на протяжении более тысячи лет до нашей эры, а книги Нового завета были написаны на греческом языке в I веке н. э. В состав Библии входят произведения самых разных жанров – сборники мифологических преданий, легенд, проповедей, законов, исторические сочинения, назидательные и романтические повести, видения.

Всего в нее входят 66 книг, которые и составляют христианский библейский канон. В Ветхий завет, который считается священным в иудаизме, входят 39 книг. Они составляют Тору (в переводе с еврейского – закон) – Бытие, Пятикнижие, Исход, Левит, Числа и Второзаконие, а также книги пророков и писания. Этот комплекс формировался с III века до н. э. по I век н. э.

Новый завет, в который входят 27 книг – четыре Евангелия, Деяния и послания апостолов, Апокалипсис, был собран в единый комплекс около 140 г. н. э.

В III–II веках н. э. был сделан перевод книг Библии на греческий язык. Этот текст получил наименование Септуагинты, поскольку над ним, по преданию, работало «семьдесят толковников», т. е. переводчиков. Примерно в это же время появились и первые латинские переводы Библии, но католическая церковь считает каноническим перевод, выполненный на рубеже IV–V веков святым Иеронимом. Он получил название Вульгата.

Переводы Библии на европейские языки появлялись в разное время. Раньше всех появился французский перевод, затем – немецкий (выполненный М. Лютером в 1522–1534) и английский.

Славянские переводы, выполненные с греческих текстов, появились в IX веке, когда будущие святые Кирилл и Мефодий создали славянский алфавит. Только в 1751–1756 гг. появился новый славянский перевод Библии, заново выверенный по греческому тексту.

На русский язык Библия впервые была переведена только в середине XIX века. Перевод выполнялся с еврейских оригиналов, текст сверялся с греческой Септуагинтой. В настоящее время создан ряд научных переводов текста Библии на русский язык.

Библия оказала огромное влияние на мировую культуру. Библейские сюжеты, образы и мотивы стали источником вдохновения для многих художников, скульпторов, музыкантов. Они часто трактовались в средневековой литературе, например в мистериях и драмах (в «Фаусте» Гете и поэмах Мильтона «Потерянный рай» и «Возвращенный рай»). Из писателей XX века, обращавшихся к Библии, необходимо назвать немецкого прозаика Т. Манна (тетралогия «Иосиф и его братья») и русского писателя М. Булгакова («Мастер и Маргарита»).


БЛЮЗ (англ. blues – уныние, меланхолия)

Блюзами называли сольные лирические песни американских негров, зародившиеся во второй половине XIX века. Они появились на берегах Миссисипи, и сюжетом их стала тяжелая, подневольная жизнь негритянского народа, который так и не обрел ни родины, ни свободы после Гражданской войны 1861–1865 годов. Это были песни грусти, песни стона. Поэтому для мелодий блюзов характерны синкопированный ритм, медленный темп. Вместе с тем блюзу свойственна импровизация, здесь многое зависит от искусства и даже настроения исполнителя.

В XX веке блюз оказывает сильнейшее воздействие на формирование профессиональной академической музыки, но прежде всего – на рок и джаз, где на долгие годы остается одной из основных его жанровых форм. При этом он впитывает традиции как африканской народной музыки, так и отдельные элементы музыкальных течений своего времени.

Выдающимися исполнителями блюзов были негритянские певцы Бесси Смит и Билли Холлидей. В 50–70-х годах XX века происходит своеобразное перерождение блюзов. Они нередко исполняются в быстром темпе, испытывают влияние рок-музыки (например, «электронный блюз» 70-х гг.) и по сути утрачивают национальные черты.

Наиболее известным сочинением, где органически сочетаются классический и блюзовый стили, явилась «Рапсодия в блюзовых тонах» для фортепиано с оркестром (1924) Дж. Гершвина. Гершвин пошел еще дальше и создал оперу «Порги и Бесс», где в основе музыки лежат блюзовые мелодии. Блюз как составляющую часть оркестровых композиций и опер использовали в своих сочинениях М. Равель, Д. Мийо. Любопытна интерпретация быстрого блюза в Концерте для саксофона с оркестром А. Эшпая.


БОЛЕРО – испанский народный танец, известный с конца XVIII в., есть некоторые свидетельства о том, что около 1780 года его создал танцовщик Себастьян Солеро. Исполняющие болеро как бы, постепенно убыстряя темп, начинают показывать свое искусство. Умеренно быстрый темп подчеркивается ритмическим перестуком кастаньет, щелканием пальцев. Танец сопровождается игрой на гитаре (или на барабане), иногда озвучивается пением. В виде отдельного танца болеро встречается в операх и балетах.

Темпераментная и выразительная музыка болеро привлекала внимание многих композиторов: существуют болеро для фортепиано Л. Бетховена и Ф. Шопена, в ритме этого танца написаны многие романсы М. Глинки и А. Даргомыжского, Л. Делиба. Классическим считается «Болеро» М. Равеля, где ритм и темп танца трактуются свободно, с отступлением от традиций.


БРЕЙК (англ. break – крушить, ломать)

Слово имеет несколько значений, по отношению к музыке связывается с одноименным стилем и означает в джазе короткую сольную импровизацию внутри композиции. Это значит, что наступает небольшая пауза, во время которой слышно звучание только одного инструмента.

Второе значение связано с одной из разновидностей современного танца – так называемым брейк-дансом. Он образовался в результате слияния трех составных частей: рок-музыки в ее эстрадно-облегченном диско-стиле, спортивной аэробики и движений, подобных движениям роботов из электронной мультипликации, которая и приучила к восприятию неправильных, ломаных движений. Эта особенность и отразилась в названии. Подобный танец был придуман в начале 80-х годов и часто встречается на дискотеках. Различают брейк-данс верхний и нижний, в зависимости от положения танцующего.


БРОНЗА

Роль бронзы в человеческой культуре исключительно велика. Ее свойства – низкая температура плавления, высокая твердость, отсутствие трещин при обработке – позволяли использовать этот сплав для изготовления оружия, инструментов, статуй, украшений и предметов домашнего инвентаря.

Даже когда на рубеже XII–XI вв. до н. э. повсеместно распространилась обработка железа, бронза продолжала использоваться для изготовления украшений, сосудов и рельефов.

Обычно они получались способом отливки в глиняной форме, сделанной по специально изготовленной модели. Уже в VI веке до н. э. было известно, что небольшие присадки свинца или цинка меняют не только цвет, но и механические свойства сплава.

Бронза являлась основным материалом для отливки больших статуй, посвященных древнегреческим богам и героям. Эту традицию от греков переняли древние римляне, которые стали изготовлять из бронзы даже архитектурные элементы оформления зданий. Количество бронзовых статуй, находившихся в античных городах, огромно. Исследователи установили, что в Дельфах, Афинах и Коринфе стояло примерно по 3000 статуй. Любопытно, что большинство из них не сохранились до нашего времени, поскольку были переплавлены после принятия христианства.

Начиная с эпохи Возрождения бронза становится основным материалом для отливки памятников, а также статуй самого различного размера. При этом техника литья менялась сравнительно мало. С вылепленной скульптором модели изготовляют глиняную форму, затем ее внутреннюю поверхность покрывают слоем воска необходимой толщины, а после этого – снова глиной. После выплавления воска получается глиняная форма, в которую и заливают металл. Подобным способом изготовляют статуи самых различных размеров, поскольку внутри нередко размещают специальный каркас, обеспечивающий прочность и устойчивость будущего изделия.


БУДДИЗМ

Буддизм возник на территории полуострова Индостан в VI веке до н. э., став наиболее древней мировой религией. В дальнейшем он завоевал миллионы последователей в разных странах Азии, а в Индии утратил свои позиции и фактически исчез.

Основателем буддизма считают Сидхвартху Гаутаму (ок. 560 – ок. 480 до н. э.). С II века н. э. буддизм занял прочные позиции в Китае, а в середине VI в. через Корею проник в Японию. С XII по XVI век буддизм являлся государственной религией этой страны.

Так же как и многие другие религиозные системы, буддизм учит, что жизнь во всех ее проявлениях есть зло и источник страданий для всех живущих. Чтобы победить это зло, человек должен отказаться от окружающего его мира и встать на путь праведной жизни.

Практически такая жизнь возможна только в монашеской общине под руководством наставника. Только там человек может победить свои чувства, страсти и желания. Каждый, кто исповедует буддизм, должен соблюдать пять обязательных требований: не лгать, не красть, не причинять зла ближнему, воздерживаться от чувственных излишеств и алкоголя.

В отличие от других религиозных систем, где на первом месте стоит коллективный культ, то есть совокупность определенных обрядов, в буддизме сильно развит бхавана – индивидуальный культ. Он заключается в постепенном углублении в самого себя, в сосредоточенных размышлениях об истинах веры. Таким образом, религиозное достоинство человека зависит только от его личного поведения. Подобная простота исполнения обрядов и обусловила широкое распространение буддизма в различных странах мира. На всем протяжении его истории неоднократно возникали новые «веяния», способы интерпретации учения Будды.

Важнейшим признаком, отличающим буддизм от других религий, является то, что все элементы его как религиозной системы выглядят гипертрофированными, преувеличенными. В пантеоне буддизма не просто боги, а огромное количество богов. Столь же неисчислимы и святые. Количество священных книг также намного больше, чем в других религиях. Столь же велико и количество философских школ, связанных с ним.

Воздействие буддизма на мировую культуру связано главным образом с его этическими концепциями. Среди них следует прежде всего выделить представление о восьмеричном пути – основных ступенях нравственного совершенствования буддиста, которые ведут к прекращению страданий и приближают его к просветлению, т. е. к перерыву в цепи рождений: это правильный взгляд, правильные стремления, правильная речь, правильные поступки, правильная жизнь, правильная память, правильные размышления. Как и в других религиозных системах, буддийская этика стоит на развитой догматике, в которой причудливо сочетаются самые разные представления.


«БУЛЬДОЗЕРНАЯ» ВЫСТАВКА

Такое название получила попытка организации выставки своих картин, предпринятая группой московских художников, на одном из московских пустырей. 15 октября 1974 года группа художников в составе В. Воробьева, Ю. Жарких, В. Комара, Л. Мастерковой, А. Меламида, В. Немухина, А. Рабина, О. Рабина, Е. Рухина, В. Ситникова, В. Холина, Б. Штейнберга и Н. Эльской выставила свои картины для обозрения. На выставке присутствовали аккредитованные в Москве иностранные корреспонденты и дипломаты.

В ответ на художников обрушилась специально организованная толпа и бульдозеры, сломавшие некоторые картины. Многие участники выставки были арестованы. На следующий день оставшиеся на свободе участники выставки устроили пресс-конференцию для иностранных журналистов. На ней было оглашено «Обращение к советскому правительству». Все эти события имели сильный международный резонанс, и в результате власти были вынуждены разрешить провести выставку в Измайловском парке. В ней участвовало более 70 художников, выставивших около 250 работ самых различных стилей – от фантастического реализма, символизма и сюрреализма до поп-арта и абстрактного экспрессионизма. Собралось от 10 до 15 тысяч зрителей. Хотя выставка продолжалась всего 4 часа, она стала событием в культурной жизни СССР.

После этих событий состоялось несколько выставок с участием художников-нонконформистов в разных городах страны. Однако само движение дальнейшего развития не получило. Развитие авангарда, насильственно прерванное в России в конце 20-х годов, сегодня продолжает существовать на уровне творчества отдельных художников и творческих объединений.


БУРЛЕСКА (лат. burlesca – насмешливая, шутливая, смешная) – музыкальная пьеса шутливого, грубовато-комического характера. Основная ее особенность – причудливая изящность и простота формы, а также небольшой размер.

Вначале бурлеска существовала лишь в составе других произведений (например, в финале 3-й партиты для клавесина И. С. Баха). В XVIII веке под этим названием появляются шуточно-пародийные оперы, напоминавшие веселые водевили. Встречается форма бурлески и в современной музыке (например, в составе Первого концерта для скрипки с оркестром Д. Д. Шостаковича).


БУТАФОРИЯ – это поддельные предметы, которые употребляются в театральных постановках вместо настоящих вещей, а также детали декораций и театральных костюмов. Это слово произошло от итальянского buttafiori – так назывался рабочий, который подавал артистам необходимые по ходу действия предметы.

Удаленность от зрителя и использование световых эффектов позволяют заменять подлинные предметы поддельными, изготовленными специально для спектакля. Современные художники-бутафоры умеют достигать впечатления реальности самыми простыми средствами. Из веревки делается резьба по дереву, из жести – хрустальная посуда, из папье-маше – мрамор, гранит или бронза, из цветного стекла – драгоценности.

Бутафория является важной составной частью сценического действия. Вот почему во многих театрах имеются специальные бутафорские цехи.

От бутафории нужно отличать реквизит, т. е. все предметы, которые находятся во время действия на сцене, – картины, часы, посуда, вазы, очки, ручки, шпаги и т. п. В реквизите всегда много подлинных предметов. С ними работает реквизитор, который раскладывает их на сцене или раздает актерам.


БУФФОН, БУФФОНАДА, БУФФА

Все эти слова происходят от итальянского слова buffa – шутка и связаны с комедией.

Буффон – шут, один из комических персонажей итальянской комедии масок XVIII века. Буффонада – особый вид комедийного представления, полного шутовских трюков, анекдотов, смеха. Буффа – одна из разновидностей оперы, комическая, как вы уже, наверное, догадались. Этот жанр появился одновременно с серьезной оперой, которая так и называлась – опера-сериа.

Первую оперу-буффа написал итальянский композитор Джованни Перголези (1710–1736). Она называлась «Служанка-госпожа» (1733). На протяжении XVIII века было создано немало опер-буффа. Это прежде всего оперы Дж. Паизиелло (1740–1816) «Севильский цирюльник» (1782) и «Нина, или безумная от любви» (1789), а также Д. Чимарозы (1749–1801) «Тайный брак» (1792). Классикой этого жанра считаются оперы «Свадьба Фигаро» (1786) В. Моцарта (1756–1791) и «Севильский цирюльник» (1816) Дж. Россини (1792–1868). Для них характерна мелодичная, легкая музыка, быстрое развитие действия.

Жанр оперы-буффа продолжал существовать и в последующее время. Достаточно назвать оперы «Фальстаф» (1892) Дж. Верди (1813–1901) и «Дуэнья» (1940) С. Прокофьева (1891–1953).


БЫТОВОЙ ЖАНР – область изобразительного искусства, посвященная отражению событий и сцен повседневной жизни, обычно современной художнику. Термин употребляется преимущественно по отношению к живописи и равнозначен выражениям «жанровая живопись» и «бытовая живопись».

Как самостоятельный раздел искусства бытовой жанр оформился в основном в XVII веке, хотя бытовые, жанровые сценки были известны в искусстве с глубокой древности. Это изображения охоты, шествий в первобытном искусстве, картины жизни различных социальных слоев в древневосточных росписях, бытовые сцены на греческих вазах и рельефах, римских росписях, в мозаике и скульптуре. Но самостоятельного значения они еще не имели, являясь составной частью картин на мифологические, религиозные или аллегорические сюжеты.

Постепенно, начиная примерно с эпохи Возрождения, подобные сценки начинают приобретать характер рассказа о реальных происшествиях, тем самым становясь и повествованием о жизни людей (Джотто, бр. Лимбург, Джорджоне, П. Брейгель). Изображение повседневной жизни часто соединялось с утверждением радости мирного труда.

Окончательно европейский бытовой жанр сформировался в XVII веке, в произведениях караваджистов, П. Рубенса, Я. Йорданса, Д. Веласкеса, открывших красоту и величие простых людей.

Бытовой жанр в современном его понимании представлен прежде всего произведениями мастеров голландской школы: Питера де Хоха, А. Остаде, Г. Терборха, Я. Вермеера Дельфтского. В их творчестве сложились некоторые специфические особенности бытового жанра. Сюжетом произведений становились события повседневной, обыденной жизни, при этом можно отметить поэтизацию крестьянского и бюргерского быта с присущей ему интимной атмосферой мирного уюта, что обуславливало обычный для жанровых произведений небольшой формат, тщательность проработки как самой сцены, так и изображенных на ней персонажей.

Однако подобная идиллистичность изображения нарушается в картинах П. Рубенса, пришедшего к осознанию и изображению глубоких жизненных противоречий. Поэтому не случайно, что в XVIII в. в бытовой жанр в противовес идиллическим пасторалям и «галантным сценам» искусства рококо (П. Буше во Франции) все более проникают морализирующие и сатирические тенденции (Ж. Грёз, У. Хогарт). Тонкость жизненных наблюдений характерна для А. Ватто и Ж. Фрагонара, правдивость и эмоциональное отношение автора видны в жанровых сценах Ж. Шардена. Красочностью восприятия мира проникнуты картины Ф. Гойи.

В России бытовой жанр связывался с изображением быта крестьян и желанием правдивого его описания.

В XIX веке бытовой жанр получает широкое распространение практически во всех национальных школах, поскольку становится одним из средств выражения демократической позиции его авторов (во Франции – в творчестве Милле, Курбэ, в Германии – Менцеля, Лейбля и т. д.). Новое слово в развитии бытового жанра было связано с русскими реалистами во второй половине XIX века. Здесь сказались традиции А. Г. Венецианова и его школы, а также П. А. Федотова. Возникает особое объединение – Товарищество передвижных художественных выставок (см. Передвижники). Среди авторов – В. Г. Перов, И. М. Прянишников, В. М. Максимов, В. Е. Маковский, К. А. Савицкий, И. Е. Репин.

Русские художники придали бытовому жанру не свойственную ему ранее глубокую социальность, превратили его в острое средство широкого критически-обличительного показа всех сторон современной им жизни царской России, в средство прославления простого человека. В ряде жанровых картин этого времени зазвучали и эпические ноты, появилось ощущение исторической весомости темы и сюжета («Бурлаки на Волге» И. Репина, «Ремонтные работы на железной дороге» К. Савицкого и др.).

Советский бытовой жанр продолжил лучшие традиции великих русских жанристов XIX в. К числу его выдающихся представителей относятся Е. М. Чепцов, Б. В. Иогансон, А. А. Пластов, Ф. П. Решетников, С. А. Григорьев, Т. Н. Яблонская.


БЮСТ (франц. buste – грудь) – погрудное скульптурное изображение человека, наиболее распространенный вид скульптурного портрета. Изготавливался из различных материалов – мрамора, бронзы, дерева. Относится к круглой скульптуре.

Другое значение этого слова (от лат. bustum – место кремации) – надгробный памятник.

Вначале, в Древней Греции, бюсты представляли символ бога Гермеса в виде изготовленного из закругленного ствола столбовидного стержня с головой. Постепенно они утратили связь с именем Гермеса и превратились в поясные статуи. Одновременно они приобрели свое основное свойство – передавать портретное сходство или по крайней мере индивидуальные черты отдельных лиц. Излюбленными были также двойные гермы великих поэтов и мыслителей. Их устанавливали на виллах и в библиотеках древних римлян. Римляне впервые включили в композицию бюста и постамент.

Римские мастера считали, что внешний облик изображаемого человека не должен противостоять его внутреннему миру. Поэтому они всегда придавали изображаемому лицу спокойное, созерцательное выражение.

В современной скульптуре авторы бюстов также стремятся постичь не только форму головы модели, строение лица, очертания лба и подбородка, добиваясь портретного сходства, но и особенности внутреннего облика. Техника исполнения бюста также предполагает умелое владение объемом и светотенью.

Искусство бюста вновь получило распространение начиная с эпохи Возрождения (Донателло, Дезидерио де Сеттиньяно, Л. Бернини, Ж. Гудон, О. Роден). В России бюсты создавали Ф. Шубин, Н. Андреев, В. Мухина, С. Лебедева.

Оглавление

Из серии: Новейший справочник школьника (АСТ)

* * *

Приведённый ознакомительный фрагмент книги История мировой культуры (Ф. С. Капица, 2010) предоставлен нашим книжным партнёром — компанией ЛитРес.

Купить и скачать полную версию книги в форматах FB2, ePub, MOBI, TXT, HTML, RTF и других

а б в г д е ё ж з и й к л м н о п р с т у ф х ц ч ш щ э ю я